Una exposició de gràfics arquitectònics "Només Itàlia!" Està oberta al públic a l'edifici d'enginyeria de la galeria Tretyakov. La meitat de l’exposició la componen la col·lecció de la Fundació Sergei Tchoban, la meitat, dibuixos de la Galeria Estatal Tretiakov i alguns més, obra de quatre artistes-arquitectes contemporanis: Maxim Atayants, Sergei Kuznetsov, Mikhail Filippov i Sergei Tchoban.
L’exposició és absolutament increïble per molts motius. En primer lloc, els gràfics arquitectònics d’alta qualitat són un material que s’elimina a si mateix. Examinar-lo de full en full, examinar amb detall els rínxols, les ombres, el personal, l’ordre és un plaer perfecte.
D’altra banda, no es pot dir que els arquitectes es mostrin sovint a la galeria Tretiakov. Gairebé mai s’hi mostren. I aquí, l’exposició va unir no només coses dels magatzems de la galeria, aquelles que tenen poques possibilitats de mostrar-se en un altre moment, amb fulls de la col·lecció del fons Tchoban emmagatzemats a Berlín. Al centre de tot, com la corona de la creació, hi ha els dibuixos d’arquitectes moderns.
El disseny de l’exposició pertany a l’oficina SPEECH i a Sergei Tchoban, que va organitzar les obres dels seus contemporanis (inclosos els seus) en una petita sala rotonda; a la galeria que l’envolta s’exhibeixen gràfics del segle XX; a distància, en dos espais rectangulars més, s'exposen fulls dels segles XVIII-XIX, dividits en dos blocs: "El naixement d'un tema" i "Rossika" (obres d'estrangers a Rússia). Per tant, la cronologia divergeix en cercles a l’espai de l’exposició o, més exactament, convergeix del passat al present: una cosa com cercles a l’aigua, només al revés.
Cal assenyalar que SPEECH desenvolupa de manera consistent els motius de la sala rodona en el seu treball amb el disseny de l'exposició: n'hi ha prou amb recordar l'exposició "Museum of Graphics" a ArchMoscow el 2013 (quan el Museum of Graphics de Berlín encara no estava obert), o dos dissenys de l'exposició del pavelló rus a la biennal veneciana d'arquitectura: diorama pintoresc de la ciutat de Vyshny Volochok el 2010 i "Panteó" dels codis QR 2012, recentment
recreada a Zaryadye. Les sales rodones són bastant rares en el disseny d’exposicions modernes: l’espai de la rotonda no és molt convenient per exposar, ja que tendeix a aclaparar les exposicions i té un aspecte més important i valuós per si mateix. És un temple, no un museu, un lloc de concentració o fins i tot un servei.
Aquesta qualitat de la ronda es posa èmfasi i s’utilitza a la suspensió. Els gràfics del nou temps s’exposen d’acord amb totes les normes d’exposició dels museus i amb el degut respecte. A l’espai rotund de l’esquerra, el full gràfic deixa de ser autovalorable, passant a ser una part subordinada de la trama espacial. Els fulls d’Atayants, Kuznetsov, Filippov i Choban es pengen en dues files, sense fixar l’atenció en cada obra individual com a valor museístic (els gràfics del segle XX a la galeria circular serveixen de transició, el remolí ja elimina el museu rigor).
El significat de l’enunciat és prou clar. Els gràfics moderns no són una mostra aquí, sinó una declaració del fet de la seva existència: la missió de continuar i revitalitzar la tradició del dibuix clàssic. Forma part d’un temple imaginari de les arts, mentre que la col·lecció històrica s’assembla a la seva sagristia, un dipòsit d’exemplars valuosos.
És característic que la declaració interior plàstica, que interpreta tan subtilment el contingut de l’exposició, es mantingui en el marc del llenguatge dels clàssics. Completament sense ordre, però els detalls i les experiències espacials s’afegeixen a la sala rodona mitjançant els fulls gràfics reals. Són la seva efímera arquitectura. Penseu, per exemple, en el costat rodó del Panteó, articulat per un sòcol d'arcs de descàrrega ben dibuixat: "el panteó del panteó" continua el joc iniciat encara més, ja en un espai imaginari darrere del pla del full gràfic.
Al que s’ha dit, cal afegir que l’exposició, començant pels "fundadors" del segle XVIII, explora encara més la tradició específicament russa d’admirar Itàlia i, més a prop del XXI, resulta que aquesta tradició ha adquirit aquí algunes característiques completament especials, que no manquen d’admiració i, en un bon sentit, d’obsessió, que tan subtilment capta la forma del temple del saló. Ningú professa estudis d’antiguitats tan sincerament com Maxim Atayants; ningú pensa que la seva arquitectura neixi d’un paisatge aquarel·lat, com Mikhail Filippov; ningú està tan compromès amb el valor intrínsec del gènere gràfic arquitectònic com Sergei Tchoban, que va crear el seu museu, i Sergei Kuznetsov, que va constantment a l’aire lliure. Junts, el resultat és un fenomen heterogeni, però sens dubte únic.
Parlem amb els quatre expositors de la Sala de Dibuix Contemporània.
Sergey Choban Archi.ru:
És realment l’exposició de dibuixos arquitectònics més gran realitzada amb la participació de la vostra fundació en aquest moment?
Sergey Choban:
- Crec que sí. Tant pel nombre d’obres presentades com pel període cobert, es tracta de l’espectacle més gran. Aquí hi ha les obres d’autors destacats d’Europa occidental, fundadors de l’escola de dibuix arquitectònic del segle XVIII i un gran nombre de gràfics d’artistes i arquitectes russos destacats que van treballar activament en aquest context.
Les exposicions de gràfics arquitectònics, organitzades per la vostra fundació, ja prenen forma en una seqüència determinada. Hi ha un pla general, un vector de desenvolupament o la trama es reinventa cada vegada?
S. Ch.: En general, cada vegada que s’inventa de nou, tot i que tenim certs principis. En particular, ens esforcem per treballar amb institucions museístiques destacades. Un dels nostres propers projectes serà conjuntament amb Albertina de Viena. El Dr. Schroeder [director del Museu Albertina de Viena - Archi.ru] es trobava als passadissos del nostre museu de Berlín i va expressar el seu desig de fer un projecte conjunt. Estem molt contents d’això i estem orgullosos d’aquesta proposta. També hi ha altres projectes.
Hi ha plans per treballar amb el Museu d’Arquitectura Shchusev, crec que això és molt important.
Ets col·leccionista, artista gràfic, dissenyador, arquitecte. Com es relaciona això entre ells?
S. Ch.: Em sembla que es tracta de diferents vincles d’una mateixa ocupació. En un context històric, els arquitectes també eren artistes; es dedicaven no només a edificis de capital, sinó també a escenografia, representacions teatrals.
Fins al segle XX, els arquitectes no tenien fotografia …
S. Ch.: Crec que la fotografia no té els mateixos objectius que el dibuix arquitectònic. El dibuix recull la part més important de la creativitat humana: l’arquitectura que una persona crea dins de l’espai natural.
Mentrestant, Maxim Atayants i Mikhail Filippov fan arquitectura clàssica, però no ho esteu
S. Ch.: Per descomptat que no, això no està directament relacionat amb l’arquitectura que estem fent. Em sembla que l’estudi de l’arquitectura mitjançant el dibuix pot conduir a resultats completament diferents: és l’estudi de les proporcions, dels efectes espacials, del teixit i dels detalls. No en va, avui en dia, no només en rus, sinó també en moltes escoles europees, es torna a prestar molta atenció al dibuix, perquè només mitjançant el dibuix es pot veure com es combinen materials d’estructures diferents, com el teixit dels més petits detalls flueix entre si.
Els vostres dibuixos a les exposicions sempre són obres molt acabades, basades en la natura. Per què no mostreu esbossos?
S. Ch.: En primer lloc, el tema d'aquesta exposició és ben definit, no implica res més. I en segon lloc, els propis dibuixos han de tenir una qualitat independent. Els croquis no sempre tenen aquesta qualitat.
La vostra pintura surt de la vostra col·lecció o de la vostra arquitectura?
S. Ch.: Crec que la col·lecció va sorgir després del dibuix. I molta de l’arquitectura que faig surt del dibuix. Simplement no creix recte. No hi ha tal cosa que dibuixis un edifici de l’època antiga i després dissenyis alguna cosa similar. A continuació, dissenyeu una altra cosa, perquè les lleis del desenvolupament de l’espai són diferents.
*** Vam aconseguir fer a tres altres participants de l'exposició la mateixa pregunta, en aquest cas important, si els seus gràfics difereixen de l'històric i, si és així, com.
Maxim Atayants
En què es diferencien els vostres gràfics dels històrics presentats aquí a l’exposició?
MA: Els gràfics són tan diferents aquí … Tinc la sensació que els quatre expositors contemporanis es diferencien els uns dels altres gairebé tant com els que pengen en altres sales d’aquesta exposició.
Les èpoques són diferents. Els gràfics moderns no podrien estar influenciats per la colossal redundància visual de la modernitat. Durant els darrers dos anys, s’han pres més fotografies al món que en tota la història anterior des del primer daguerreotip. La pressió de la redundància visual ens obliga a tractar el dibuix de manera diferent i a treure d’allà una cosa que no és, per exemple, la fotografia. Sóc un fotògraf bastant professional, per la qual cosa és important per a mi comparar aquestes coses. Però em temo reflexionar deliberadament sobre aquest tema, perquè la tasca de dibuixar i fotografiar és la mateixa … M’agradaria expressar d’alguna manera la meva alegria i il·lusió per la trobada amb aquests edificis. Probablement, Quarenghi va resoldre els mateixos problemes. I el resultat és diferent, perquè l’època és diferent. Com es pot respondre?
Per què no només fotografies, sinó que també dibuixes?
MA: Però a això puc respondre fàcilment. Perquè hi intervenen diferents mecanismes. El dibuix és una forma d’aprendre, l’únic tipus d’activitat humana en què el cervell, l’ull i la mà estan implicats simultàniament amb la mateixa intensitat. Si no esteu pintant, és impossible passar una hora mirant amb concentració alguna peça d’arquitectura. Aquesta és una manera d’aprendre.
Fem fotos per compartir i dibuixem per nosaltres mateixos. Per assimilació. En el meu cas, almenys.
Heu pintat mai a partir d’una fotografia?
MA: Per descomptat, com qualsevol idiota que estudiava a l’Acadèmia de les Arts, em vaig treure de la fotografia de nit, quan, per exemple, no tenia temps de completar el meu treball. Llavors em va semblar que era més fàcil. Ara intento no fer-ho, perquè es tracta d’una imitació sense sentit del procés. Al meu entendre, el punt de dibuixar és treure de la vida.
Quan dibuixo, entenent alguna cosa, aquest procés és profund. Per què simplificar-lo mentre s’intenta obtenir el mateix resultat a un preu més baix? O amb el mateix aspecte exterior. En aquells casos en què no teniu temps per acabar al moment, de vegades, és clar, mireu la fotografia … Però això és secundari. És sorprenent que ara sigui molt més difícil i més llarg per a mi treure d’una fotografia que de la natura. És cert.
Sergey Kuznetsov
En què es diferencien els vostres gràfics dels històrics presentats aquí a l’exposició?
S. K.: Humilment diria que no ho podem fer. Estic encantat amb les obres de Maxim Atayants, que va trobar un recurs en si mateix, va poder submergir-se i anar a un grau de detall diferent - està clar que difícil no vol dir bo, però simplement no vol dir dolent, però, no obstant això,, a quines altures van assolir els vells mestres, en paciència, en treball i en ulls: això és increïble. Hem d’aprendre … Encara miro amb enveja els gràfics que es presenten aquí; dominar aquesta habilitat, per descomptat, seria fantàstic.
El dibuix d’arquitectura clàssica significa esforçar-se per construir arquitectura clàssica?
S. K.: No, no vol dir en absolut. Dibuixar arquitectura clàssica no s’ha de relacionar amb el disseny de l’arquitectura clàssica, de la mateixa manera que llegir Els tres mosqueters no vol dir que estigui preparat per fer girar l’espasa demà.
Quina relació hi ha, doncs, amb l’arquitectura i la pintura?
S. K.: En aquest sentit, sóc una persona de la vella escola, valoro les habilitats bàsiques i manuals. Em sembla que la forma de fer l'arquitectura no ha canviat ni ha de canviar: una persona ha de passar pensaments, sensacions, sentiments per si mateixa: un ordinador no permetrà expressar-ho tot. Era un aficionat profund i seriós als gràfics per ordinador, tenia moltes publicacions i exposicions, això em dóna l’oportunitat de comparar la feina amb les mans i els ulls i treballar amb un ordinador. Quan tens el control de la mà i pots representar el que tens al cap amb les teves mans, t’ajuda personalment i també funciona bé com a eina de persuasió.
Per què no mostreu esbossos gràfics?
S. K.: En aquest cas, no seria adequat … Aquesta no és una posició conscient; hi haurà propostes: exposarem. En termes generals, això no és cert, ho estem exposant: a l'exposició de "l'arquitecte de l'any" a Arch Moscow teníem un esbós. Tenim molts esbossos de bona qualitat. Al meu entendre, els manuscrits senzillament no seran d’interès per al públic. En general, diria que l'interès del públic per qualsevol obra és directament proporcional a la quantitat de treball que s'hi inverteix.
Com va començar a dibuixar arquitectura històrica?
S. K.: Vaig començar a dibuixar molt abans d’entrar a la universitat. Els meus pares no estaven relacionats de cap manera ni amb l’art ni amb l’arquitectura, però em va deixar portar una varietat de creativitat, prototipatge, dibuix i, per tant, vaig fer cursos preparatoris a l’Institut d’Arquitectura de Moscou. Des de llavors no he parat de pintar; tot i que després de l'institut hi va haver una pausa quan ja no em dedicava a manuals, sinó a gràfics per ordinador.
Més tard, començant a treballar amb Sergei Tchoban, cap al 2006, li vaig proposar que viatgés a diferents ciutats, dibuixés arquitectura. Des de llavors, viatgem regularment diverses vegades a l’any per pintar arquitectura. El nostre primer viatge a l’aire lliure a Roma va ser, per exemple, els passos de Piranesi.
Mikhail Filippov
En què es diferencien els vostres gràfics dels històrics presentats aquí a l’exposició?
M. F.: No puc respondre a aquesta pregunta. Puc dir-vos en què difereixen els gràfics arquitectònics d’un paisatge arquitectònic. He estat membre de la Unió d’Artistes durant 30 anys i he exposat com a artista a molts llocs, inclosos la Galeria Tretiakov i el Museu Rus. Per a mi, aquesta pregunta és absolutament clara. El paisatge arquitectònic en què participaven els nostres avantpassats és, en primer lloc, un dibuix d’alta qualitat i l’organització del full amb un enfocament artístic. Malauradament, la majoria dels arquitectes pinten el seu objecte favorit com una perspectiva petita i no com un paisatge.
A l'època soviètica, fins i tot treballava sota els contractes de l'Acadèmia de les Arts com a pintor de paisatges pur. Durant la perestroika, els serovites van arribar al poder allà: la majoria són bons artistes, realistes, Gritsai, Reshetnikov, Nalbandian … També hi eren gràfics forts i tècnics.
La resta de gràfics soviètics es van desenvolupar en la direcció de l’organització modernista del full: per exemple, si l’aigua és lleugera, s’escriu completament blanca, etc. Quan vaig començar a escriure, vaig pensar més en matisos, tons intermedis; matisos de nit blanca, qualitat del dibuix, subtileses de perspectiva … Això em va fer bastant únic en aquella època, aquesta gent gran m’estimava molt. Vaig treballar sota contractes, els vaig venir i els vaig ensenyar, van fer alguns comentaris; em donava la sensació que els amos em miraven.
Per tant, no sento gaire diferència amb els antics mestres. Si no feien un dibuix tècnic, sinó un paisatge. L’enfocament del paisatge era com un artista. La facultat d'arquitectura de l'Acadèmia de les Arts va contractar en un moment aquells que dibuixaven millor i la pintura, aquells que dibuixen pitjor. I van donar un diploma amb el nom d '"artista de l'arquitectura", que es va formular fins a un any, no ho recordo exactament. No sento cap diferència amb ells, sobretot quan es tracta d’obres de principis de segle. Em van criar les obres d’Ostroumova-Lebedeva.
Tot i que per a mi és interessant un altre matís: la nit blanca. El paisatge rus es va matisar en estats intermedis. Per exemple, Vasiliev: desgel, sense hivern, sense primavera, sense llum, sense foscor, mig to, un raig de sol … No trobareu paisatges d’alta qualitat a la pintura mundial, on hi hauria un blau brillant cel i verd brillant! Potser Rylov podria tenir alguna cosa així o Cezanne, però això ja és diferent.
Resulta que teniu dos temes: el vostre paisatge arquitectònic i la vostra arquitectura …
M. F.: No! No hi ha diferència. La bella arquitectura s’ha d’associar a la natura, al sol. Conec i estimo molt bé la història de l’art. Als anys vuitanta, per a mi va ser interessant continuar amb el que es va reduir en els anys vint, quan la pintura d’alguna manera va començar a convertir-se, potser de molt alta qualitat, en modernisme.
Creieu que és real créixer junts?
M. F.: Sí, és una realitat absoluta. Al gener d’aquest any, el vaig lliurar: es van eliminar els boscos de 750 mil metres quadrats d’edificis residencials.
A Sotxi?
M. F.: No només a Sotxi, a Moscou hi ha una casa al carrer Marshal Rybalko. Us ho asseguro, que és l’encarnació de l’estil del 2001 que vaig plantejar fa trenta anys.
Ho sentiu com l’encarnació del vostre quadre?
M. F.: Sí, sí … No veig la diferència.
Ho creguis o no, em vaig graduar a l’Acadèmia, vaig arribar a un concepte i després vaig agafar un pinzell i aquarel·la per primera vegada. No vaig escriure a l'Acadèmia ni a l'escola d'art. I si escrivia, seria impossible mirar què feia llavors.
*** l'exposició està oberta fins al 27 de juliol (horari d'obertura)
