Publicat per primera vegada a la col·lecció: Art decoratiu i entorn temàtic-espacial. Butlletí de MGHPA. Número 3. Primera part de Moscou, 2020 pàg. 21-31. Cortesia de l'autor. L’època de màxima esplendor de l’estil Art Deco als Estats Units va arribar a finals dels anys vint i trenta. i la seva formació va estar influenciada per una àmplia gamma de fonts, tant històriques com rellevants. El més important entre ells va ser l’anomenat. "Estil de 1925", plasmat als famosos pavellons de l '"Exposició Internacional d'Arts Decoratives i la Indústria Artística", inaugurada a París el 28 d'abril de 1925. No obstant això, a més dels conceptes artístics i tectònics, l'estil dels gratacels també era format gràcies a l’urbanisme i les restriccions legals.
La llei de zonificació de Nova York del 1916, que limitava els edificis acabats d’aixecar a una silueta esglaonada, va ser decisiva per a la formació de l’estil dels gratacels. [1] El 1922, H. Corbett i H. Ferris van llançar un disseny per a la torre, tenint en compte les seves necessitats. I, a partir d’aquest moment, les imatges medievals neoarcaiques comencen a ser percebudes com una idea artísticament valuosa. Així doncs, la llei de zonificació de 1916, indiferent a les característiques d’estil d’un edifici de gran alçada, va determinar l’efecte altament artístic de l’aprimament tectònic de les torres, que va formar el rendiment neoasteca i la silueta neogòtica de les ciutats americanes.
Als anys vint i trenta, l’estètica del canó va substituir les proporcions tradicionals de carrers i edificis per cornises clàssiques. A Chicago, el segon centre per al desenvolupament del nou estil, entre el 1927 i el 1930. Holabert i Ruth, així com Graham, Anderson, Probst i White, estan construint cinc gratacels esglaonats cadascun en neoarcaic, Art Mesoamericà. Monumentals, situades enfrontades, pretenien competir amb els èxits del neoclassicisme dels anys 1900-1910 i entre ells. No van poder deixar d’admirar, i és així com els arquitectes soviètics dels anys trenta es van esforçar per treballar. A més, el neoarchaisme Art Deco va trobar una altra font d’inspiració nacional als Estats Units: les torres de maons de R. Walker a Nova York es remuntaven a la brillant estètica dels penya-segats de Monument Valley (com, per exemple, Western Union Building, 1930 i AT Tee Building Long Distance, 1932). Escalonades i cobertes de baix relleus, les torres Art Deco semblaven ser les creacions dels asteques i dels maies que s’aixecaven al cel. [2]
L’estil Art Deco va aparèixer entre els anys 1910-1930 com una alternativa compositiva i plàstica al neoclassicisme (historicisme). Així, un tret característic de l’art déco nord-americà és la diminució, la planicitat de la decoració, el contrast plàstic a gran escala i plàstic d’accents decoratius rars i la grandiós i resolta part principal de la torre. Com les obres de Louis Sullivan, els portals d’entrada dels gratacels eren luxosos però íntims. Els mestres Art Deco no van ampliar els motius arcaics, tal era la imatge de la piràmide antiga grandiós, "habitada" i el límit de l'escala de la seva plasmació. Els baixos relleus Art Deco creats a grans altures eren radicalment diferents de l'esplendor plàstica de l'historicisme. Es tractava de detalls deliberadament aplanats i en miniatura que semblaven haver caigut del museu al carrer sense canviar-ne la mida.
El plàstic Art Deco era molt divers: podia ser punxegut, geomètric o arrodonit deliberadament, "inflat" o aerodinàmic, creat en l'estètica de l'anomenat. racionalitzar. Rebutjant el cànon grecoromà, l’art déco va permetre als autors mostrar la seva imaginació i erudició. Així, per exemple, entra en voga una interpretació especial de la forma suavitzada, que es remunta a la plasticitat de l’escultura budista i de l’antic Egipte. L’afilat, la geometrització de les siluetes i el dibuix de detalls es van convertir en una altra moda oposada dels anys 1920-1930. No és casualitat que durant els anys de la seva creació, l’estil dels anys vint-trenta rebés els noms de "zigzag-modern", "jazz-modern" i similars, tot remarcant la base cubista de l'Art Deco. En geometria, la convencionalitat es converteix en la diferència característica entre l’art déco i el neoclassicisme, tan evident com les diferències entre el cànon escultòric de l’Antiga Grècia i els baixos relleus de Mesoamèrica. [3]
Per tant, la decorativitat dels gratacels podria adoptar la forma de geometrització de l'historicisme (American Radiator Building) i la fantasia plàstica (General Electric Building), autèntica arcaització o ascetisme final i abstracte. Els gratacels es podrien decorar amb detalls de geometria, neoarcaics (Inter Continental Hotel), fantàstics, o bé en podrien estar completament desproveïts. I, tanmateix, apareixen com un estil integral i reconeixible. La plasticitat d’aquestes torres podria remuntar-se a les idees de les avantguardes, a les innovacions dels anys 1910 i als pavellons de l’exposició del 1925, així com als dures monuments del passat llunyà. Tot i això, van ser les piràmides de les civilitzacions antigues les que van formar tant l’aplanament dels baixos relleus com la silueta inclinada de les torres Art Deco. Tal era el neoarxisme plàstic i compositiu de l'Art Deco nord-americà.
Per primera vegada, l’arquitecte R. Walker durà a terme a Nova York la combinació de baix relleus aplanats i una silueta esglaonada, característica de l’Art Deco. L’edifici Barclay-Vezier (del 1923) va ser el primer gratacel Art Deco llançat abans de l’exposició del 1925. [4] En la seva arquitectura, és evident una àmplia gamma d’orígens estilístics: aquesta és l’estètica d’una silueta neoasteca inclinada, i un complex, en l’esperit del cubisme, la composició, així com els relleus rars, intricatament dibuixats a la esperit de L. Sullivan, que es remunta a l’Orient Mitjà, herència romànica i celta. El mateix seran els edificis de gran alçada del començament dels anys vint-trenta.
Tanmateix, quin paper va tenir la formació de l’estil dels gratacels a l’Exposició Internacional d’Arts Decoratives i Indústria de l’Art de París de 1925?
L’exposició a París, prevista inicialment per al 1914 i celebrada el 1925 després d’una llarga pausa de construcció, va intentar convertir-se en un revifament del luxe de l’arquitectura d’abans de la guerra i va recollir totes les innovacions del primer quart del segle XX. Els seus pavellons, com després els gratacels d’Amèrica, van ser dissenyats amb l’esperit de l’orientalisme i el neoarcaic: una silueta inclinada, relleus aplanats amb geometria fantàstica, accents decoratius contrastats i un fons ascètic. Aquests eren els pavellons francesos "Studio Louvre" i "Primavera", "Pomont" i "Metriz", galeries comercials al Pont Alexandre III. I un dels primers exemples de l '"estil del 1925" importat als Estats Units va ser l'exquisida reixa metàl·lica del famós Edgar Brandt, participant de l'exposició de París. Ja el 1925, van decorar l'edifici Madison Belmont de Nova York. L'exposició de París de 1925 "va donar nom" a l'estil dels anys vint i trenta i es va convertir en la seva publicitat, però no va poder definir per si sola l'estètica dels gratacels. [cinc]
L’arquitectura Art Deco a l’Exposició de París del 1925 i l’arquitectura nord-americana al tombant dels anys vint i trenta tenien orígens comuns que alimentaven tots dos fenòmens. El pas intermedi que falta entre les obres aïllades de L. Sullivan i F. L. Wright a la dècada de 1890-1900 i l'arquitectura holandesa a principis de la dècada de 1910-1920 es van convertir en una difusió massiva del nou estil. Va ser a Amsterdam, per primera vegada després de la Primera Guerra Mundial i les obres de Wright dels anys 1900, que van aparèixer exemples de decoració de geometria fantàstica, i aquest experiment va ser massiu i convincent. A més, no es tractava d’estructures temporals creades només pel bé de l’exposició, sinó de l’entorn urbà. [6] Els arquitectes holandesos van ser els primers a percebre el potencial innovador de l'estil de Wright i van començar a desenvolupar-lo, i a finals dels anys vint els creadors de l'Art Deco americà seguiran el seu camí. Així creada a la intersecció de línies que provenen de Chicago (de Sullivan i Wright), París i Amsterdam, l'Art Deco America s'ha convertit en una era d'aplicació massiva i de consolidació de solucions creades anteriorment.
L’era de l’aparició d’aquestes tendències que configuraran l’art déco encara són els anys 1890-1900. Les línies d’estil que s’entrecreuen al tombant dels anys vint i trenta es remunten a la primera època de l’Art Deco i durant diverses dècades pulsaran, competiran i donaran forma a la moda mundial. El 1893, Wright va deixar el taller de Sullivan, i aquesta divergència dels dos genis formaria els dos canals pels quals es desenvoluparia posteriorment l'Art Deco americà. L’última dècada del segle XIX va ser per a Louis Sullivan un període de prosperitat, el cim de la seva carrera. Després, a la dècada de 1890, va treballar activament amb la fantasia i la decoració plana, mentre que Wright inventava la seva pròpia arquitectura geometrada.
La monumental obra mestra Art Deco de Wright va ser el temple Unity de Oak Park, adornat amb una decoració geomètrica de luxe (1906). [7] I en la seva arquitectura, és obvi i apassionat per la cultura japonesa (especialment a l'interior), i pel descobriment del mestre de noves tècniques estilístiques. [8] La forma màgica d'aquesta església amb una força increïble "colpeja" en dues direccions, prediu tant el neoarcaisme de l'Art Deco com l'abstracció de les avantguardes. I és precisament aquesta dualitat la que serà característica de l’estil dels gratacels.
La dècada de 1910-1920 es va convertir en una època d’intercanvi d’innovacions arquitectòniques per a Europa i els Estats Units i, després de l’exposició de París de 1925, la moda d’un nou estil, l’Art Deco ja prendrà per complet les ciutats d’Amèrica. Tanmateix, ja el 1910, es va publicar una edició en dos volums de F. L. Wright (l'anomenada cartera d'E. Wasmut). Va tenir un impacte significatiu en el desenvolupament tant de l'avantguarda com de l'art deco a Europa. [9] La resposta del temple de la Unitat va ser els edificis de la sinagoga (G. Elte, 1927) i de l'església de Jerusalem (FB Jantsen, 1929), construïts a Amsterdam i que repetien les seves formes. El vestíbul de l’estació de metro de Sokolniki a Moscou (1935), format per cornises i marcs horitzontals, a més de sòcols amb gerros característics, es va convertir en una rara aproximació a l’estil del mestre de Chicago i la racionalització a l’URSS. [deu]
L’obra de Frank Lloyd Wright als anys 1900 i 1920 apareix com un moviment gradual des de l’estil de les praderies fins al concepte de “blocs tèxtils”. I la font d’inspiració més important del mestre durant aquests anys és el llegat dels asteques i dels maies. [11] La influència de l'arquitectura arcaica i mesoamericana en l'estil de Wright va ser indirecta però significativa. No va ser estilització. No obstant això, fonamentals esglaonats monumentals i dobles varetes horitzontals, marcs ("cases de prades", Robie House) i cinturons de relleus i patrons aplanats (casa de Winslow, jardins de Midway, magatzems d'Herman) i fins i tot terrats plans (temple d'Unity) - tot es tractava alhora d’un replantejament de les imatges de l’arquitectura antiga mesoamericana, en primer lloc dels temples d’Uxmal, i d’una innovació estilística diversa i amb talent.
A finals dels anys 1910-1920, Wright va començar a treballar al Japó i a Los Angeles, on va construir una magnífica sèrie de vil·les i mansions privades. Construït en l’arquitectura dels anomenats. Els "blocs tèxtils" encarnaven una síntesi paradoxal i expressiva de motius neoarcaics i tecnocràtics. [12] Així, doncs, l’evolució de F. L. Wright als anys 1910 i 20 consistia en la complicació de la decoració arquitectònica i l’enfocament de l’estètica Art Deco. [tretze]
El 1924, el mateix Wright mostra com es pot convertir l'estil de les seves mansions en gratacels: per a Chicago, crea el magnífic National Life Insurance Building. La seva concessió estava dictada per la llei de zonificació, i només el mètode del relleu pla geometrat era, segons sembla, realment neoarcaic, mesoamericà. No obstant això, el treball amb insercions decoratives (patrons, "textures") troba una altra font als Estats Units: l'estil fantàstic de Louis Sullivan serà el presagi dels baixos relleus plats Art Deco.
En les seves obres, Sullivan, a la dècada de 1890, va proposar el tema d’un baix relleu de fantasia aplanat com a decoració d’un medalló entre finestres i un portal d’entrada. [14] Aquests eren els edificis del mestre a St. Louis (1891), Chicago (1893), Buffalo (1894), Nova York (1899) i altres. Sullivan treballava amb les façanes dels edificis d'oficines de diversos pisos. que va començar a utilitzar el contrast d’accents decoratius i d’austeritat, imposta i relleu aplanat, i també ho faran els gratacels Art Deco. La seva paleta decorativa incloïa motius neoarcaics i fantasia: geomètrica, tecnocràtica, com la de Wright, i floral, orientalista, com la de Sullivan. Tanmateix, ambdós mestres confiaven en el seu talent com a dibuixant, invent i patrimoni arcaic orientalista. I és precisament aquesta dualitat de decoració, treball a la intersecció de l’estilització i la innovació, que es va transferir als anys vint i trenta de Sullivan i Wright a l’estil dels gratacels.
Els gratacels Art Deco es van crear, es podria dir, amb l '"estil de l'exposició de 1925", però els seus detalls fan una impressió clara de ser dibuixats per ells mateixos, amb talent. Darrere d’ells es pot sentir una cultura poderosa, un experiment massiu, que ja només dóna solucions estilísticament precises. L’estil de l’exposició es va percebre a través del prisma del seu propi patrimoni. I si per al París de l’època d’entreguerres, l’estil del 1925 era una excepció, als Estats Units era clarament nacional, després d’haver rebut aquí la seva plasmació més sorprenent. Els gratacels Art Deco es van convertir per als Estats Units en una mena de "renaixement" de les seves pròpies piràmides arcaiques, asteques i maies, un diàleg amb els pioners del nou estil, Sullivan i Wright, i per això va guanyar l '"estil de 1925". tanta popularitat a les ciutats americanes.
Literatura
- Barkhin A. D. "Amsterdam dels anys vint en l'evolució estilística de l'Art Deco" // Capital, núm. 1 (23), 2013 - pp. 78-83.
- Vasiliev N. Yu., Evstratova M. V., Ovsyannikova E. B., Panin O. A. L’arquitectura de les avantguardes de Moscou dels anys vint-trenta. Guia de referència. - M.: S. E. Gordeev, 2011. - 480 pàg.
- Goldstein A. F. Frank Lloyd Wright. - Moscou, 1973.
- Zueva P. P. Gratacel americà / Art. 1 de setembre, Moscou: 2011, núm. 12. - P. 5-7
- Malinina T. G. Història i problemes moderns d’estudi de l’estil art déco. // Art de l’època del modernisme. Estil art déco. 1910-1940 / Col·lecció d'articles basats en els materials de la conferència científica de l'Institut de Recerca Científica de l'Acadèmia de les Arts de Rússia. Resp. ed. T. G. Malinin. M.: Pinakothek. 2009. - С.12-28
- Ovsyannikova E. B. La influència de l’expressionisme en l’arquitectura dels anys trenta. / Ovsyannikova E. B., Tukanov M. A. / Les avantguardes russes dels anys 1910-1920 i el problema de l’expressionisme / Ed. G. F. Kovalenko. - M.: Nauka, 2003. S. 387-406
- A. V. Petukhov Art Deco i art francès del primer quart del segle XX BuxMart, 2016.-- 312 p.
- Filicheva N. V. Estil Art Deco: el problema de la interpretació en el context de la cultura del segle XX. Butlletí de la Universitat Estatal de Leningrad. A. S. Pushkin, 2010 - 2 (2), 202-210.
- Khayt V. L. "Frank Lloyd Wright: un arquitecte i un home de tots els temps" // Sobre l'arquitectura, la seva història i els seus problemes. Col·lecció d'articles científics / Prefaci. A. P. Kudryavtseva. - M.: Editorial URSS, 2003.-- S. 261-274.
- Hillier B. Art Deco / Hillier B. Escritt S. - M.: Art - Segle XXI, 2005 - 240 p.
- Bayer P. Arquitectura Art Deco. Londres: Thames & Hudson Ltd, 1992. - 224 pàg.
- Bouillon J. P. Art Deco 1903-1940 - NY: Rizzoli, 1989 - 270 p.
- Frank Lloyd Wright sobre Arquitectura seleccionada: Escrits seleccionats. 1894-1940 / Ed. per Frederick Gutheim. Nova York: Duell, Sloan i Pearce, 1941
- Holliday K. E. Ralph Walker: Arquitecte del segle. - Rizzoli, 2012 - 159 p.
- Secrest M. Frank Lloyd Wright: Una biografia - Universitat de Chicago Press, 1998
[1] Una fita de l'arquitectura de Nova York va ser la construcció el 1915 de l'Equitable Building, un espai d'oficines que va batre rècords. Ja el 1916 s’adoptarà una llei de zonificació que, segons P. P. Zuev, va permetre que els edificis tinguessin l’altura desitjada, començant per una secció de la torre igual a una quarta part de la superfície del lloc, i va exigir una sagnia a partir d’una marca de 45-60 m, és a dir, una i la meitat de l’amplada del carrer. Posteriorment, es van dictar lleis de zonificació similars en altres ciutats dels Estats Units. [4, pàg. 6]
[2] L'època Art Deco era conscient dels seus orígens, de manera que el pavelló "Temple Maya", construït per a l'Exposició Mundial "Age of Progress" a Chicago (1933), va ser una resposta al pavelló "Angkor" de la Colònia Internacional Exposició a París (1931). Un dels primers exemples d'aquest interès va ser el pavelló "Temple dels asteques" a l'Exposició Universal de Chicago (1893).
[3] Com assenyala P. Baer, la revolució de Mèxic el 1910 va contribuir a l'estudi intensiu dels monuments de l'Amèrica precolombina, el seu estil va resultar no només sorprenent, sinó nou - com diuen, "els indis van ser els primers cubistes”. [11, pàg. 16]
[4] Com va assenyalar K. Holliday, els relleus plans de l'edifici Barclay-Vezier es van fer fins i tot abans de l'exposició el 1925. El mateix R. Walker va assenyalar l'antiguitat romana i les obres de L. Sullivan com a fonts. [14, pàg. 50]
[5] Tal com indica T. G. Malinin, el terme "Art Deco" va sorgir el 1966 a causa de l'onada d'interès per l'art del període d'entreguerres i en relació amb l'exposició dedicada al 40è aniversari de l'exposició a París (Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industriels Modernes). La mateixa abreviatura "Art Deco" (Arts Deco) es va utilitzar per primera vegada en els articles de Le Corbusier dels anys vint, al principi en un sentit irònic i crític. [5, pàg. 27; 8, pàg. 206]
[6] Per obtenir més detalls, consulteu l'article de l'autor [1, pàgines 78-83]
[7] A la dècada de 1910, Wright va crear una sèrie de projectes propers a l'Art Deco, incloent el Call Building de San Francisco (1912), els projectes de la Carnegie Library d'Ottawa (1913) i el teatre Aline Barnsdel (1918)). i Merchandising Building (1922) a Los Angeles, etc. L'edifici Larkin a Buffalo (1904, no conservat), Bock House a Milwaukee (1916) i Hollyhock House a Los Angeles (1919-1922) es van implementar a l'estil dels primers art déco.
[8] Per primera vegada amb la cultura japonesa, F. L. Wright (1867-1959) es reuneix a l'Exposició Universal de Chicago (1893). El 1905, Wright va fer un viatge al Japó (el primer d’una sèrie) i va començar a col·leccionar gravats japonesos. A Tòquio, dissenya l’Hotel Imperial (1919-1923, no conservat) i la vila de T. Yamamura (1918-1924) a Tòquio. I és precisament des de l’arquitectura japonesa que Wright sembla percebre tant l’estètica de les cornises i els pendents del sostre fortament estesos que formen la imatge i la silueta de les "cases de les praderies", com les solucions de color dels interiors, per exemple, a Unity Temple i Robie House.
[9] La influència de Wright també és clarament perceptible en l'exemple icònic de l'avantguarda europea: l'edifici de l'ajuntament a Hilversum (V. Dudok, 1928), que encarnava una mena d'imatge ampliada de Robie House (1908). La influència de l'estil de Wright també es nota a les obres d'O. Perret, els vitralls de la Roby House es reconeixen a l'interior de l'església de Notre Dame de Rency (1922), la cornisa simplificada i fortament representada de la Unitat. L'església del temple "completa" la façana del teatre als Camps Elisis (1913).
[10] La racionalització es considera una de les tendències de l'era Art Deco. I entre els seus rars exemples nacionals, els investigadors inclouen l’edifici dels grans magatzems Danilovsky construït a Moscou (G. K. Altarzhevsky, 1936). Sembla que aquesta va ser una resposta a la Moss House de Berlín (E. Mendelssohn, 1923). La construcció del Comissariat del Poble per a la Terra també es va decidir pels horitzontals de cornises i marcs (A. V. Shchusev, 1933). Per tant, en arquitectura, els primers exemples d’estil i estil rígit apareixen abans que formes similars en el disseny d’automòbils. Per obtenir més detalls sobre les tècniques d’estil de l’arquitectura racional, vegeu [2, p. 29; 6, pàg. 389]
[11] El llegat dels asteques i dels maies també estava disponible per a Wright segons l'artista gràfic F. Caserwood, que a la dècada de 1840 va explorar i esbossar per primera vegada les ruïnes dels temples de l'Amèrica precolombina, i és conegut per les seves pròpies impressions. - del "temple asteca" de l'Exposició Mundial de Chicago de 1893 (on el taller Sullivana va erigir el pavelló "Transport") i d'una exposició especial amb maquetes i fotografies de temples maies a l'Exposició Panamà-Califòrnia de San Diego, que mestre visitat el 1915.
[12] Per primera vegada, Wright va treballar amb "blocs tèxtils" als anys 1910, de manera que es van prendre les decisions: Midway Gardens (Chicago, 1914, no conservat) i el magatzem d'A. Herman (Richland Center, 1915). A Los Angeles, amb aquest estil, Wright implementa una sèrie de mansions: Storer House (1923), Millard House (1923), Freeman House (1923) i Ennis House (1924). L’obra mestra de Wright va ser la Hollyhock House (1919-22). Amb el nom de la flor Hollyhock, estava adornada amb una varietat de decoracions geometritzades, tant vegetals com tecnocràtiques.
[13] Expliquem que a la dècada de 1900-1910 les obres de Wright estaven realment per davant del seu temps, tant en gràfics arquitectònics, com en plàstica i composició de volums. Tanmateix, a finals de la dècada de 1920, quan l’arquitectura Art Deco va assolir el seu punt àlgid, Wright no tenia molta demanda. A més, si bé a les obres del mestre hi havia una certa convergència dels plàstics de les seves mansions amb geometria fantàstica amb la franca estilització neoarcaica i mesoamericana, l’aparició de l’estètica avantguardista ja estava en marxa a Europa i a la URSS. I al tombant dels anys vint i trenta, l’arquitectura de Wright, paradoxalment, ja no era rellevant ni a les capitals erigides als clàssics: Washington i Moscou, ni als laboratoris creatius de VKHUTEMAS i Bauhaus.
[14] Wright va heretar de Sullivan pensant en relleus aplanats, patrons i cornises rectangulars molt esteses (com al temple de la Unitat). La distinció de l’època Art Deco dels anys vint i trenta era la finalització d’edificis no amb cornises, sinó amb perfils i detalls aplanats, golfes i cornises neoarcaiques.
