Stepan Lipgart: "És Correcte Doblar La Teva Pròpia Línia"

2024 Autora: David Durham | [email protected]. Última modificació: 2023-12-16 02:29

Una família

La Viquipèdia escriu que Lipgarts és una família de la noblesa ostsee, coneguda a Livònia des del segle XVI, i entre els segles XIX - XX aquest cognom era portat per artistes, enginyers i dissenyadors de submarins. Quins d'ells són els vostres avantpassats?

Els pares de la meva mare eren cosins de quarta divisió, ambdós nascuts de Lipgarts, descendents de l’antic cognom dels alemanys bàltics, immigrants de Pernau (actualment Pärnu, Estònia), que antigament tenien un títol de noblesa. Els meus avantpassats, però, la van perdre a principis del segle XIX. L’avi de la meva àvia, Ernest Lipgart, enginyer de formació, va heretar del seu pare una gran empresa dedicada a la producció de ciment i maquinària agrícola. El seu fill Voldemar (Vladimir) va estudiar per ser arquitecte, però va preferir el camí d’un artista. El seu destí va ser tràgic, a finals dels anys trenta va «desaparèixer»: tal com va passar els darrers anys, va ser afusellat al camp d'entrenament de Butovo. La meva àvia, també artista, es va exiliar de Moscou a Karaganda al començament de la guerra com a alemanya.

El pare del meu avi, l'enginyer Andrei Aleksandrovich Lipgart, és un representant d'una altra branca familiar, el cap d'una família nombrosa i forta, amb una personalitat destacada. El 1933 es va convertir en el dissenyador en cap de la planta d'automòbils Gorky, on al llarg de gairebé vint anys va crear dotzenes de models d'equips d'automoció. Els mèrits i els èxits d’Andrei Alexandrovich es van reconèixer principalment a l’època soviètica, per tant, per exemple, la seva autoritat era suficient per rescatar de l’exili un parent llunyà, la meva àvia. Així va ser com van conèixer el meu avi.

Els privilegis del meu besavi als anys cinquanta: una gran casa rural i un apartament en un gratacels estalinistes, es van convertir en espais on també es va passar la millor part de la meva infantesa. L’ambient festiu de les reunions familiars, solemnes, però també sinceres, que es feia en un pis lluminós amb sostres alts, riques motllures d’estuc, portes amb panells, des d’on el Pare Noel apareixia invariablement el Cap d’Any, aparentment es va convertir en una impressió que va determinar el meu art gust i preferències estètiques durant anys …

Què va influir en la vostra decisió de convertir-vos en arquitecte, a més de l'enginyeria i la genètica artística?

Em sembla que un arquitecte no és casual, una professió que sovint s’hereta. En el meu cas, la influència de la meva mare és, sens dubte, qui, tot i que ha estat dedicada tota la vida no a l’arquitectura pràctica, sinó a la teoria, però des de la primera infància va explicar que la nostra professió és la millor, universal, en ella: la creativitat, pensament, i bellesa, i Moscou arquitectònic - un lloc de gràcia rara.

Vocació

Quin dels professors de MARCHI és important per recordar? Qui et va inspirar, de qui vas començar?

Recordo amb por i agraïment els meus dos professors, que ara han mort. Quan vaig entrar a l’institut, de seguida vaig tenir molta sort: el meu professor els dos primers anys va ser Konstantin Vladimirovich Kudryashov. Un home amb un gran cor i un gran encant, un horari brillant: recordo amb quina enveja vam observar com de clares i animades línies d’esbossos magistrals en sortien de sota la mà. Sembla que l’amplitud de la natura es va plasmar en els temes dels seus dibuixos: la caça de gossos, que estimaven molt, les armes antigues, els cavalls, els vaixells, les veles … Aparentment, les preferències arquitectòniques corresponien a aquesta percepció romàntica i lleugerament nostàlgica del món: va parlar de Venturi amb molt de respecte, Aldo Rossi. En general, el postmodernisme, segons Kudryashov, era quelcom bo. No hi va haver cap negatiu per la seva banda també en relació amb l’arquitectura estalinista, al contrari, en la primera lliçó pràctica que va tenir lloc fora de l’institut, aprofitant aquesta oportunitat, Konstantin Vladimirovich va cridar la nostra atenció sobre la casa amb els miradors de l’arquitecte. Rybitsky, que a Zemlyanoy Val, respon sobre aquesta arquitectura com a alta qualitat i significativa. Potser per això els elements d’ordre i les composicions, l’estudi dels quals va ser la base del programa del primer any, vaig pensar sense pensar-ho bé en els primers projectes escolars del segon any d’estudi. Kudryashov no va interferir en això, no es va trencar, però al final del segon any va advertir: "Teniu ganes d'arquitectura d'ordres, intenteu allunyar-vos-en l'any vinent".

Us heu advertit que hi pot haver problemes?

No ho vaig dir directament, però ho vaig dir així. En general, del tercer al cinquè any, la meva formació en disseny arquitectònic va ser força estranya. En qualsevol cas, el seu principi principal: copiar revistes estrangeres amb projectes similars al tema i reproduir les idees i tècniques trobades en el vostre projecte, em va semblar inútil. Al mateix temps, la passió per l’arquitectura clàssica, el llegat dels anys trenta i cinquanta soviètics, va esdevenir cada vegada més conscient i profunda. Recordo com en aquest moment vaig venir a parlar amb Kudryashov i em vaig queixar, diuen, que el modern no inspira, cosa a la qual vaig rebre la resposta: si creus que tens raó, has de lluitar "amb destrals".

Per descomptat, en un primer moment aquest “sobre eixos” estava ple de notes baixes i d’un malentès absolut dels professors, però més tard, però, es van reconciliar amb les meravelloses addiccions d’un estudiant negligent, cosa que em va deixar l’oportunitat d’estofar-me amb el meu propi suc.

Al sisè any va ser el moment de triar un supervisor de diplomes i, després, hi va haver una segona oportunitat afortunada: vaig entrar al grup de Vladimir Vladimirovich Khodnev. L’any de graduació va ser absolutament feliç; l’enfocament formal dels antics professors va ser substituït per una mena de llibertat embrutidora de creativitat i expressió de si mateixos. Va resultar que és correcte doblegar la línia, però el que resideix en l’ànima és valuós i important. La sensibilitat i l’atenció del professor, que recordo amb molta gratitud, em va permetre comprendre i aprendre molt. A la sortida, el diploma va resultar brillant, diria impactant, potser ingenu, en algun lloc ridícul, però realment meu. He de dir que el mateix any van aparèixer els Children of Iofan, en què, per cert, Khodnev em va donar molt suport. Va ser un bon moment: vam creure en nosaltres mateixos.

El grup "Children of Iofan" va fer un bon toc. Va ser apreciat per representants de totes les direccions. Com va sorgir?

Vint-i-dos anys és probablement un moment feliç per a gairebé tothom: l'energia frenètica de la joventut, l'entusiasme sense tenir en compte els diners, la reputació i les connexions. A la primavera del 2006, ens vam conèixer i ens vam fer amics de Boris Kondakov. Recordo la nostra primera conversa: - "Com se sent sobre el palau dels soviets?" "És una llàstima … una llàstima que no es construís". Va ser la contrasenya que va determinar, de moment, una rara mentalitat semblant. Vam començar a treballar junts, és clar, no es parlava de cap tipus de comerç. El talent artístic de Boris i la meva visió arquitectònica es van plasmar en projectes competitius, en objectes d'art, i després vam treballar junts en el diploma esmentat, poblant l'imaginari Moscou del 2006 amb gent de les pintures de Deineka i Samokhvalov. Els festivals de la ciutat, organitzats per Ivan Ovchinnikov i Andrey Asadov, van tenir un gran paper en la nostra biografia. Les instal·lacions exteriors de bricolatge van ser la primera oportunitat per provar idees espacials a la natura. Per primera vegada, vam participar en un esdeveniment anomenat "La ciutat de la infància", en aquesta ciutat vam construir un objecte que s'assemblava a les estructures propagandístiques dels anys 30: el "Red Stand", mentre l'equip es va declarar consonant amb el tema del festival - "Children of Iofan".

Els ardents i contradictoris anys trenta, en què va marcar el gir el projecte d'Iofan, van entrar en ressonància amb les seves pròpies experiències de joventut, assedegades d'acció i de canvi. En contrast amb el caos i el caos del Moscou de Luzhkov, vam intentar presentar un altre Moscou tal com estava concebut al Pla General de 1935. Durant hores vam caminar a la recerca de fragments d’aquella ciutat: línies vermelles, adreces, complexos inacabats, resolent-la com un rebus, imaginant un conjunt sencer i esvelt format per una arquitectura d’alta qualitat, creat per mestres desapareguts, alguns dels noms dels quals van despertar temor: Fomin, Shuko, Rudnev, Dushkin …

Image

zoom

1/5 Instal·lació: tanc "Flors als caiguts". Grup arquitectònic "Fills d'Iofan" © Stepan Lipgart
zoom

2/5 Instal·lació: tanc "Flors als caiguts". Grup arquitectònic "Fills d'Iofan" © Stepan Lipgart
zoom

3/5 Instal·lació: tanc "Flors als caiguts". Grup arquitectònic "Fills d'Iofan" © Stepan Lipgart
zoom

4/5 Instal·lació: tanc "Flors als caiguts". Grup arquitectònic "Fills d'Iofan" © Stepan Lipgart
zoom

5/5 Instal·lació: "Sistema aeronàutic: una eina per augmentar el confort recreatiu de Moscou". Grup arquitectònic "Fills d'Iofan" © Stepan Lipgart

Quin tipus d'escàndol us va passar amb Tom Maine?

Sí, de fet, no hi va haver cap escàndol, però fins i tot sense ell, aquell incident em va influir molt. La conferència del fundador del grup Morphosis aleshores, al meu tercer any, va causar un gran enrenou: gairebé tot l’Institut d’Arquitectura de Moscou va aparèixer a la sala blanca com la neu Vlasov de la Casa Central d’Artistes. La creativitat de Maine és brillant, excitant, tots aquests volums trencats, levitants i desintegrants no podrien deixar indiferents. Aleshores, tot el que va demostrar em va semblar terrible, no orgànic, desproveït de lògica i, sobretot, antihumà. Havent arrencat el meu coratge, després de la conferència vaig fer una pregunta, diuen, però què passa amb la gent? Em va impressionar que Maine ni tan sols entenia el que vull dir al principi. La seva resposta va relacionar-se amb la tecnologia del disseny, va parlar molt d’això durant la conferència, diuen, que l’ordinador només és una eina i les persones, és a dir, els arquitectes, són creadors, autors. Mai no vaig rebre cap resposta sobre els usuaris dels seus edificis. Sigui com sigui, qualsevol forma arquitectònica moderna després d’aquella conferència em va semblar antinatural durant molt de temps.

Em va recordar com en un moment el compositor Arvo Pärt va trencar amb les avantguardes, perquè no podia dir en aquest idioma el que volia dir. M’han preguntat moltes vegades per què vau escollir la dècada de 1930 com a font d’inspiració, però encara us demano que expliqueu la vostra actitud davant d’aquesta arquitectura

Segons els meus sentiments, a principis del segle XX, l’arquitectura de l’Imperi rus, principalment a la capital, arribava al nivell mundial, i si no ho comparem amb els centres culturals d’aquella època: França, Àustria-Hongria, però, per exemple, amb Itàlia, va superar. Agafeu els edificis de Roma al tombant de segle, es tracta d’una arquitectura sòlida, ben dibuixada, però encara molt secundària: una reproducció del Renaixement, composicions absurdes sobre el tema de l’antiguitat o seguint la mateixa moda francesa.

Tot i així, Sant Petersburg de l’edat de plata, època de Benoit i Lidval, és el focus d’alts professionals, mestres d’arquitectura. Recordem la construcció de Marian Peretyatkovich, la casa de Wawelberg a Nevsky Prospekt, una obra brillant, una síntesi virtuosa d’un palau florentí i del modernisme del nord, o els opus emocionals del jove Belogrud, farcits d’una vaga energia d’anticipació, expectatives de xoc i canvi.

Quan es van produir aquests xocs el 1917, la majoria dels arquitectes de la generació més antiga es van unir a la construcció del nou país i els seus alumnes, una galàxia d’arquitectes destacats que van estudiar la vigília de la Revolució i els primers anys posteriors a la seva incorporació, es van unir amb un zel encara més gran: Lev Rudnev, Noah Trotsky, Evgeny Levinson i molts altres. No es tracta només de l’Acadèmia de Sant Petersburg, perquè els fundadors del constructivisme de Moscou, Alexander i Viktor Vesnin, Alexander Kuznetsov, són professionals de la vella escola.

Per paradoxal que sembli, el canvi de principis de la dècada de 1930 va enriquir l’arquitectura soviètica durant algun temps: durant diversos anys, van coexistir conceptes tant avantguardistes com classicistes. Els mestres de la vella escola van tenir l’oportunitat de “acabar d’escriure” el neoclassicisme iniciat a la dècada de 1910, per transferir plenament els seus coneixements i experiència a una nova generació d’arquitectes notables: Georgy Golts, Mikhail Barshch, Leonid Polyakov, Ilya Rozhin. En una paraula, al meu entendre, l’arquitectura soviètica d’abans de la guerra és un fenomen d’una escala molt significativa, ric en idees i ambicions, que hereta una alta qualitat d’èpoques anteriors.

zoom

1/3 Arx. M. Peretyatkovich. Casa de Wawelberg a B. Morskaya. Sant Petersburg. 1912 © Stepan Lipgart
zoom

2/3 Arch. M. Peretyatkovich. Casa de Wawelberg a B. Morskaya. Sant Petersburg. 1912 © Stepan Lipgart
zoom

3/3 Arx. E. Levinson, I. Fomin. Cases al carrer Ivanovskaya de Sant Petersburg. 1934-1938 © Stepan Lipgart

Per tant, el vostre motiu per als anys 30 és apel·lar a l’alta qualitat

Em fascina el potencial artístic d’aquesta època, probablement com una de les formes d’alta qualitat.

Quina és la vostra peça arquitectònica preferida?

Ara hi ha una gran temptació de recordar alguna cosa de l’esmentada Edat de Plata de Sant Petersburg, però per raó de claredat, anomenaré l’edifici construït als anys 30, realment em va causar una impressió aclaparadora. Per a l’exposició internacional de 1937, entre altres coses, França va erigir dos complexos d’exposicions a gran escala, voldria mencionar-ne un: el Palais de Tokyo. L’arquitectura del palau s’acosta tant a l’estil Mussolini com als models soviètics, principalment a la Biblioteca Lenin. Tanmateix, l’aspecte monumental auster de l’edifici es veu suavitzat significativament, tant pel pintoresc d’una clara composició volumètrica, com per la sensual plasticitat de l’escultura que omple els espais propers a les façanes del palau. Crec que l’emoció del Palau de Tòquio, completament desproveïda de l’oficialitat de l’arquitectura “totalitària”, però fins i tot, segons em sembla, que implica un cert grau d’intimitat, es deu al fet que el palau es va construir, no obstant això, país de democràcia burgesa.

Per a mi, hi ha un cert criteri de la màxima qualitat arquitectònica: quan un edifici de grans dimensions és tan perfecte, integral, harmònic que l’espai urbà, influït per la seva arquitectura, es percep com un món de bellesa no terrestre sensiblement diferent fins i tot dels bells conjunts de la ciutat circumdant. A Sant Petersburg, aquest sentiment és despertat per les columnates de la catedral de Kazan, a París, pel Palais de Tokyo. En el món d’aquest darrer triomfen les proporcions i la línia, l’esperit i la voluntat, l’amor ardent, imprès en pedra.

zoom

1/3 Palais de Tokyo a l'Exposició Mundial de París. 1937
zoom

2/3 Palais de Tokyo a l'Exposició Mundial de París. 1937
zoom

3/3 Palais de Tokyo a París. Fragment. © Stepan Lipgart

En quins concursos i exposicions heu participat, amb quines obres? Quins són els premis?

El 2017, a Moscou i després a Sant Petersburg, hi va haver dues de les meves exposicions personals ("La dissetena utopia" i "Cerca d'un heroi"), per les quals agraeixo molt els seus comissaris, respectivament, Alexandra Selivanova i Lyusa Malkis. Però amb una calidesa especial recordo la nostra exposició amb el descarat títol "Endavant, als anys 30". al Museu d’Arquitectura, inaugurat a la tardor del 2008. La seva preparació recordava una mica a un altre festival de la ciutat. Hi havia molt pocs diners, però molts amics disposats a ajudar-vos, idees i la meva pròpia força en quantitats il·limitades. La comissària era la meva amiga, la crítica d’art Masha Sedova.

I ara, durant dos mesos i mig, ens vam instal·lar en una petita comunitat, ens dediquem a la construcció de maquetes, instal·lacions d’exposició, producció de pòsters i altres materials d’exposició. Sembla que el resultat va ser realment brillant, en qualsevol cas, el convidat especial de l’exposició, Grigory Revzin, va cridar l’atenció sobre els fills d’Iofan.

Pel que fa als concursos, pel que sembla, a causa de l’especificitat del tema del nostre treball, no hem tingut massa èxit aquí, però no ens hem esforçat per tenir èxit, hi ha un parell de premis ARCHIWOOD, però crec que es pot atribuir a una excepció a la regla.

Image

zoom

1/6 Instal·lació "Pillars of OSVOD", guardonada amb el premi ARCHIWOOD-2012 Grup arquitectònic "Children of Iofan"
zoom

2/6 Instal·lació "Pillars of OSVOD", guardonada amb el premi ARCHIWOOD-2012 Grup arquitectònic "Children of Iofan"
zoom

3/6 Instal·lació "Pillars of OSVOD", guardonada amb el premi ARCHIWOOD-2012 Grup arquitectònic "Children of Iofan"
zoom

4/6 Instal·lació "Pillars of OSVOD", guardonada amb el premi ARCHIWOOD-2012 Grup arquitectònic "Children of Iofan"
zoom

5/6 Instal·lació "Pillars of OSVOD", guardonada amb el premi ARCHIWOOD-2012 Grup arquitectònic "Children of Iofan"
zoom

6/6 Instal·lació "Pillars of OSVOD", guardonada amb el premi ARCHIWOOD-2012 Grup arquitectònic "Children of Iofan"

Quines impressions teniu de treballar a l’estudi de Mikhail Filippov?

Al meu entendre, Mikhail Anatolyevich és un artista brillant i la seva visió de l’arquitectura pressuposa una qualitat de realitat inabastable avui: social, cultural, tecnològica. Perquè l’arquitectura de Filippov en so complet esdevingui part del món material, hi ha massa coses per canviar al món, per recordar-ne moltes coses. Aquesta idea em fa por i decepció, però sembla que una persona, fins i tot amb un talent infinit, no ho pot fer. Vaig treballar al taller de Mikhail Filippov durant un any en total, estic content de conèixer el mestre, li estic agraït pel seu treball.

Pràctica

Als 30 anys vas començar a dissenyar grans complexos residencials a Sant Petersburg. Casa "Renaixement" al carrer. Dybenko ja s'ha construït parcialment, s'està construint "Petite France" a la 20a línia de l'illa Vasilievsky. Poques persones aconsegueixen rebre aquestes comandes a aquesta edat. Quin és el secret?

Fa un parell de mesos vam parlar amb Aleksey Komov, i ell, en particular, va definir aquesta situació de la següent manera: “Hi ha la vostra posició de mestre, de revivalista. Hi ha el vostre món, on habiteu sense marcar la diferència entre el paper i els projectes reals, i els clients de primer nivell, la presència d’aquest món, la fermesa de les conviccions artístiques, sentiu i voleu sumar-vos. I com que es tracta d’un món a gran escala, els projectes resulten ser grans: edificis i fàbriques d’habitatges, i no cases particulars i no interiors.

Sona molt fort, elogiós, per altra banda, és estrany anul·lar alguns esdeveniments de la vida en ocasions cegues. Recordo que als trenta anys, quan vaig seleccionar material per a Arch-Moscow, vaig revisar les meves nombroses imatges: paper, projectes de competició, fotografies d’instal·lacions, i hi havia la sensació que s’havien acumulat prou imatges i idees perquè d’alguna manera trencessin., va sortir al món real. Així va passar aviat. Per descomptat, coneguts anteriors van jugar un paper: Grigory Revzin em va reunir amb Kusnirovich, Maxim Atayants, que és un exemple professional i moral per a mi, va facilitar una reunió amb un desenvolupador de Sant Petersburg.

Expliqueu-nos el dispositiu i els mètodes del taller Liphart Architects?

Veig la meva tasca principal en treballar amb una imatge arquitectònica, respectivament, tot està construït de manera que es resol amb la màxima eficiència, però amb un equip mínim. El taller és molt petit, té fins a cinc persones i es dedica gairebé exclusivament al disseny d’esbossos. Prefereixo dibuixar l'exterior de l'edifici amb la meva pròpia mà, des de la primera línia de llapis fins a l'últim centímetre del model informàtic final de la façana. Delego la resta de la feina als meus companys. El projecte i la documentació de treball són desenvolupats per dissenyadors externs; participem en el procés com a part de la supervisió del dissenyador.

La primera casa de Sant Petersburg,

Complex residencial "Renaixement", vaig pintar segons els dissenys donats. Per descomptat, els dissenyadors els van canviar i ajustar en el procés, les meves decisions també es van transformar, però al final, cal tenir en compte que la implementació s’acosta molt a la idea original. La instal·lació del client també va afectar: canvieu l'arquitectura al darrer lloc, construïu-la a mesura que es dibuixa.

zoom

1/6 Vista des del sud-est fins a la rotonda. Complex residencial "Renaixement" © Liphart Architects
zoom

2/6 Complex residencial renaixentista Visualització © Liphart Architects
zoom

3/6 Complex residencial "Renaixement" Foto © AAG
zoom

4/6 Projecte del complex residencial "Renaixement" al carrer Dybenko, Sant Petersburg, des del 2015Informàtica en construcció Client: inversió i construcció AAG © Stepan Lipgart
zoom

5/6 Vista des del sud-est, il·luminació nocturna. Complex residencial "Renaixement" Foto © Dmitry Tsyrenshchikov / Cortesia de Liphart Architects
zoom

6/6 Vista façana nord, il·luminació nocturna. Complex residencial "Renaixement" Foto © Dmitry Tsyrenshchikov / Cortesia de Liphart Architects

En el cas de l’anomenada "Petita França", la nostra primera casa al centre històric de la ciutat, tenia més llibertat de maniobra: es fixava el volum i el nombre de pisos, diverses idees generals amb formats d’apartaments, tot altrament, es va decidir sobre la base de l’aspecte extern que havia inventat. El disseny d’aquest objecte va coincidir amb el meu trasllat a Sant Petersburg, de manera que va ser dibuixat amb molta sensació, amb una mena de fervor neòfit, les obres de Lidval i Klenze, que realment vaig descobrir per a mi mateix, van tenir una gran influència en la seva arquitectura.

zoom

1/7 RC "Little France". 20a línia de l’illa Vasilievsky. Sant Petersburg © Liphart Architects
zoom

2/7 RC "Little France". 20a línia de l’illa Vasilievsky. Sant Petersburg © Liphart Architects
zoom

3/7 RC "Little France". 20a línia de l’illa Vasilievsky. Sant Petersburg © Liphart Architects
zoom

4/7 RC "Little France". 20a línia de l’illa Vasilievsky. Sant Petersburg © Liphart Architects
zoom

5/7 RC "Little France". 20a línia de l’illa Vasilievsky. Sant Petersburg © Liphart Architects
zoom

6/7 RC "Little France". 20a línia de l’illa Vasilievsky. Sant Petersburg © Liphart Architects
zoom

7/7 RC "Little France". 20a línia de l’illa Vasilievsky. Sant Petersburg © Liphart Architects

Diversos projectes de Sant Petersburg que actualment estem treballant en una o altra etapa: els edificis residencials del carrer Magnitogorskaya, la perspectiva Malokhtinsky, al terraplè del riu Negre, s’estan dissenyant d’una manera similar. La casa de la 12a línia de l’illa Vasilievsky té una configuració molt complexa, densa, va ser dibuixada durant sis mesos. Potser, la majoria dels esforços es van invertir en aquest objecte, realment espero la seva implementació.

La mentalitat "fer com dibuixat" per als dissenyadors va sorgir perquè els clients eren els vostres aliats. Els clients senten la bellesa?

Em sembla que la capacitat de veure el bell és un regal que es fa a tothom des del naixement; és una altra qüestió que les circumstàncies de la vida, el medi ambient, els prejudicis puguin treure aquest regal a una persona o, en qualsevol cas, causar-li greus danys.. De vegades sembla que a la Rússia actual, que ha patit durant el segle passat, la majoria ha oblidat com no només augmentar la bellesa, sinó fins i tot distingir-la de la lletja. El més meravellós és la trobada amb l’ambició de crear l’estètica. Al meu entendre, tant Alexander Zavyalov, el propietari de la companyia desenvolupadora de Sant Petersburg, com Mikhail Kusnirovich tenen aquesta ambició.

zoom

1/7 Vista dels edificis administratius i de producció del sud-oest. Fàbrica de confecció "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / cedida per Stepan Lipgart
zoom

2/7 Vista de l'edifici administratiu des del sud-est. Fàbrica de confecció "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / cedida per Stepan Lipgart
zoom

3/7 Escala frontal, fragment. Fàbrica de confecció "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / cedida per Stepan Lipgart
zoom

4/7 Fragment de la façana oest de l'edifici administratiu. Fàbrica de confecció "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / cedida per Stepan Lipgart
zoom

Sala 5/7 de la 1a planta amb el jardí d’hivern_fragment. Fàbrica de confecció "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / cedida per Stepan Lipgart
zoom

6/7 Vista general del punt de parada des del sud. Fàbrica de confecció "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / cedida per Stepan Lipgart
zoom

7/7 La façana sud de l'edifici administratiu i de serveis, fragment. Fàbrica de confecció "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / cedida per Stepan Lipgart

A més, per descomptat, les preferències gustatives del client comencen a jugar un paper, canviant, he de dir, amb el pas del temps des de la coincidència total amb la meva fins a la completa incomprensió. En els primers projectes amb Zavyalov, per exemple, l’ordre, l’arquitectura clàssica va ser acceptada amb força, i parlàvem el mateix llenguatge, però ara cada vegada més la tasca es planteja segons el principi familiar dels anys de l’institut: "Fes-me com en aquesta foto. " Aquí sorgeix la pregunta involuntàriament, fins a quin punt estic disposat a un compromís. En general, hi ha una certa decepció en la professió després dels primers anys de treball pràctic. Fins ara, el realment important i valuós s’ha guanyat en projectes en paper, no en implementació.

Projectes en paper

Fa més de dos anys, en un comentari a archi.ru, vaig esmentar que el tema principal que m’interessa són les contradiccions no resoltes inherents a la cultura i la història russes, que es van manifestar especialment amb força als anys trenta. La col·lisió de la màquina amb la tradicional i artificial. La línia de l’arquitectura heroica de Petersburg, plasmada tant en l’art déco de Levinson i Trotsky, com en l’obscur arcaic de Belogrud i Bubyr, i fins i tot anteriorment a l’arc de l’Estat Major i al monument a Pere. Una línia d’impuls carregat, de superació, associat a la naturalesa de la ciutat, que ha estat objecte d’una violenta europeïtzació diverses vegades.

A les vostres obres, l’arquitectura d’ordres i la tecnologia no es neguen mútuament, sinó que, al contrari, s’enriqueixen: art deco i reactor, art deco i coet … Quin projecte de paper us és més estimat i per què?

La sèrie "At the Reactor" és una dedicació personal, que encarna la imatge d'un reactor atòmic com una força que escalfa aquest món, però també amenaça amb destruir-lo. Aquesta energia té una similitud amb la passió humana. L’estació és com un temple i el tema de la divinització del cotxe també és present aquí.

zoom

4/5 Projecte de millora i reconstrucció del territori del parc Neskuchny Sad. Etapa 2011-2012 Infografia no implementada Client: Grup d'empreses Bosco © Stepan Lipgart
zoom

5/5 Projecte de millora i reconstrucció del territori del parc Neskuchny Garden. Hivernacle 2011-2012 Infografia no implementada Client: Grup d'empreses Bosco © Stepan Lipgart

Recordo bé com va sorgir l’argument de l’obra que anomeno “Arc de Triomf”. El dia anterior, vaig tenir una conversa inspiradora, on l’interlocutor va demanar un manifest-imatge, la meva idea de futur. Pel que sembla, va trobar les paraules adequades, la imatge va néixer en un minut: un coet atrevit, a punt per trencar-se en l’empirisme, emmarcat per una forma arquitectònica gegantina. La conquesta de l’espai exterior, possible gràcies a un avanç tecnològic, i línies dinàmiques que sonen a l’uníson amb aquest moviment, amb el segell d’un Art Deco significatiu.

A l'exposició de Moscou hi va haver projectes de viles Art Deco força estètiques. Un xalet és la imatge d’una persona privada. Quin tipus de persona és aquesta, amb quines propietats?

És interessant que cada projecte sigui una oferta per a un client concret, però cap d’ells va decidir construir la seva casa en aquestes formes. Em sembla que Maxim Atayants va fer una descripció bastant precisa, tot assenyalant que no es tracta de cases particulars, sinó de pavellons d’exposició per exposar el client i la seva vida quotidiana. Sí, potser, la representativitat, la monumentalitat, la solemnitat de l’arquitectura subratllades no impliquen privadesa, comoditat, fluïdesa serena dels dies. La imatge d’aquesta casa desafia el seu habitant i ha de correspondre-li, abans que res en termes estètics, però no només. Aquí ens acostem al tema de la personalitat excepcional, l’heroi.

zoom

2/4 Projecte de la vila "Acropolis Litorinum" 2015 Infografia Regió de Leningrad, districte de Vyborgsky No implementat Client privat © Stepan Lipgart
zoom

3/4 Projecte "Villa ITR", 2011 Infografia Regió de Moscou, districte de Txèkhovski No implementat Client privat © Stepan Lipgart
zoom

Projecte 4/4 de la vila "Pavillon Lecayet", 2015Infografia per regió de Moscou. No implementat Client privat © Stepan Lipgart

Metafísica

Quina diferència hi ha entre el vostre concepte d’heroi i un heroi romàntic del segle XIX, que entra en una batalla amb el destí i s’oposa a la multitud? del superhome i del demiürg de les avantguardes; d’un llibertari del segle XX?

Recordo haver llegit a Khan-Magomedov que Ivan Leonidov, creant la seva "Ciutat del Sol", no coneixia gaire el text de Tommaso Campanella. El seu constructivisme utòpic donava una imatge d’un futur brillant i la trama de la Ciutat del Sol estava en sintonia amb els seus sentiments. Val la pena determinar immediatament que el meu “concepte de l’heroi” tampoc no té prou profunditat filosòfica, darrere d’ell no hi ha textos llargs, investigacions, intents de posar a prova les meves pròpies conjectures empíricament. El més important aquí és la vostra pròpia intuïció, l'experiència de certs sentiments, l'exaltació. I la forma més exitosa de la famosa recerca de l’heroi és observar la mostra artística de la bellesa humana. L’exemple més evident és un retrat del Renaixement, exaltant i divinitzador de la naturalesa humana. Però encara més a prop de l’ideal hi ha aquells llenços on la llum celestial entra en conflicte amb el costat fosc de la natura humana. Va ser una nova i forta impressió veure en directe les obres de Parmigianino i Bronzino, no hi ha pau lleugera d’harmonia renaixentista, al contrari, el fred penetrant de trets impecables, el fràgil equilibri entre apol·lini i dionisíac, que implica resposta, audàcia, obra de l’ànima.

A la Divina Simfonia de Scriabin, l’heroi-demiürg crea un món del no-res. El concepte de lluita contra Déu dóna lloc a una música molt bonica, però èticament està al límit. El teu heroi: qui és?

L'heroi és el pas mig entre una persona amb les seves debilitats i vicis i el principi més alt. L’heroi no és aquell dotat miraculosament d’habilitats divines, sinó que s’esforça amb la força del seu esperit, la seva pròpia ànima, fins al més alt, ideal, tant moralment com en el sentit de bellesa física.

Però un artista és un heroi en el moment en què crea alguna cosa. La manifestació de la bellesa en una obra sempre és un miracle i una atreviment. Tornant als anys 30, tant els creadors com les seves imatges són heroiques. Els arquitectes van construir i els compositors van escriure, arriscant la seva vida. El 1938, Xostakóvitx seia cada nit a les escales de casa seva amb una maleta a l’espera de ser detingut perquè el seu amic, el mariscal Tukhachevsky, havia estat afusellat. Xostakóvitx ha estat perseguit imprès des de principis dels anys trenta. Tot i això, el 1937 va escriure la cinquena simfonia, en la qual, segons Pasternak, "ho deia tot, i no li passava res". L’heroi d’aquesta música mor en la lluita contra una màquina totalitària infernal

A la dècada dels trenta, es va fer un últim intent de suportar l'heroic, demiúrgic, al màxim: el Tercer Reich. Un intent de canviar, de distorsionar la moral humana universal, de crear una nova persona, una nova societat, una nova ciutat. El culte a un heroi que ha capturat desenes de milions. El resultat és monstruós i, des d’un punt de vista ètic, humanista, no està subjecte a cap justificació. Cal recordar que la línia és molt prima aquí.

Sí. Perquè els mitjans són monstruosos i els mitjans són el més important. Sí, hi havia un objectiu monstruós

Són possibles altres mitjans? Tomeu cavalleria: s’associa amb la violència i l’assassinat i, al mateix temps, de bon aspecte, tothom recorda les majestuoses muralles dels castells medievals i el culte a una bella dama.

No estic d’acord que el concepte heroic s’associï amb la violència, potser amb la confrontació amb la violència i la superació d’un mateix. Si conciliem la vida amb una dimensió vertical, parlem d’un heroi que es sacrifica per les altres persones

Per cert, el sacrifici també es va promoure a la societat nazi. Com a resultat, a l’Alemanya moderna ja hi ha l’opinió que la recerca d’una bellesa autovalorable es pot equiparar al nazisme.

Això és un error. L’artista crea una forma, és un gest dominador, en cert sentit totalitari, però l’art és un àmbit on la jerarquia és beneficiosa. El postmodernisme va intentar deconstruir aquest gest i el resultat artístic no és gaire convincent. L’edat de plata s’equilibrava a la vora de l’art i la construcció de la vida. Va crear la bellesa, però va romandre en el camp artístic i no va anar més enllà (més exactament, poetes i artistes van experimentar tota mena de cultes obscens, com sabem per les memòries d’Alexander Benois, però aquest va ser el seu afer privat). Lenin no és l’edat de plata

Però els artistes reunien aquells núvols la vigília del drama de 1917, els cridaven i tenien gana. Què són els trons i els llamps? Això és incontrolable. Scriabin, naturalment, tenia una idea diferent de l'aparició d'un home nou, és evident que no era un comissari amb un Mauser i no un avió d'atac brutal. El bloqueig de Leningrad com a realització dels somnis més terribles de l’Edat de Plata rau en la sensació de sobrehumanitat i sacrifici, en aquestes sensacions fredes i crepusculars plasmades a les cases Belogrudov. Ja tenien la premonició d’una imminent tragèdia, una premonició de l’arcaic, que apareixia a la imatge de Stalin des de les profunditats més fosques. Esmolant el tema, veig la imatge de l’heroi en les obres dels escultors Josef Torak i Arno Brecker. L’audàcia allà s’inclina definitivament cap a la natura fosca, però és impressionant.

Igual que l’atreviment de molts artistes llibertaris del segle XX. Wright, Sullivan i Scriabin eren nietzscheans. Però van entendre Nietzsche d’una manera vulgar. Nietzsche, quan va dir la seva frase sobre la mort de Déu, significava que una persona ha deixat de recórrer al cel, ha deixat de ser capaç de donar gràcies, de conformar les seves accions amb Déu. Les persones van dirigir l'energia lliure resultant per assolir els seus objectius i van aconseguir molt. Però la naturalesa humana caiguda es va manifestar en tota la seva glòria

La naturalesa humana caiguda es manifesta en ple creixement avui. És una llàstima que aquestes exhibicions no tinguin cap valor artístic.

Sí. Però la gent entenia algunes coses. El món ha derrotat el feixisme i l’equilibri encara es manté, tot i que amb dificultats. Albert Schweitzer va dir que, després d’haver inventat la bomba atòmica, és a dir, esdevenir superpotent, l’home no es va convertir en superintel·ligent. Potser l’heroi és una persona superintel·ligent. No en el sentit de la precaució, és clar, sinó, al contrari, en el sentit de la imprudència, la capacitat de pietat, el sacrifici. El sant és tot un heroi i superhome. Tenim valors que no volem perdre. Si parlem d’arquitectura, una ciutat històrica europea és un valor i l’arquitectura dels anys trenta en forma part orgànica

Sí, però també hi havia una nova qualitat en ella. Tornant a la meva impressió parisenca, aquella visita va ser molt curta, concentrada: en vuit hores vaig caminar des del Panteó fins al Trocadero, després d’haver aconseguit visitar el Louvre. La gran ciutat sorprèn per l’escala, la riquesa de façanes de pedra natural, l’escombratge d’avingudes, la magnificència d’enormes palaus i, tanmateix, sortint als edificis de l’exposició de París, no vaig poder evitar sentir una altra dimensió, un altre grau. d'importància, una imatge del futur, que mai va arribar, perquè la naturalesa destructiva de l'home va prevaler sobre la creativa.