El pavelló en qüestió es va anomenar italià fa uns anys (tot i que els projectes dels comissaris de la Biennal s’hi van mostrar durant molt de temps i no una exposició nacional). El 2010 es va canviar el nom de Palau d'Exposicions, cosa que va donar a Itàlia espai a l'Arsenal, i aquesta vegada va canviar el seu nom per un de més modest: ara només és Central.
La seva façana neoclàssica ara està deliberadament "desfigurada" per dos projectes alhora. Un d’ells és el Gran Balcó, un annex deliberadament despreocupat de fusta i tela, que serveix com a única entrada al pavelló. Es tracta de la creació de la comissària Alison Crowshaw, que dirigeix el grup de recerca sobre el problema de la construcció il·legal a Roma. Segons ella, el 28% de tot el que s’hi va construir després de la guerra és okupa. "Balcó gran" és un recordatori de la transformació dels balcons en habitacions de ple dret, la forma més comuna d'aquesta "actuació amateur". Va ser creat a partir de parts d’un annex de sala de reunions erigit il·legalment a la zona de Borgheziana i després de finalitzar la Biennal tornarà a la seva ubicació original a Roma.
Davant del pavelló hi ha un ampli banc fet amb maons de color gris fosc, que vulnera deliberadament la simetria central del carreró que condueix al pòrtic de l'edifici. Gairebé immediatament després de l'entrada, es troben parets del mateix material, que amaguen la restauració inacabada de la sala de 6 cares, formant un vestíbul d'un pla complex: això obliga el visitant a frenar la velocitat abans de començar a veure l'exposició. Els autors del projecte són l’oficina alemanya Kuehn Malvezzi.
Un exemple sorprenent de cooperació i de cerca d’un “terreny comú” declarat en el tema de la Biennal és el projecte de l’oficina irlandesa GRAFTON i el premi brasiler Pritzker Paulo Mendes da Rocha. Després d’haver rebut una comanda per a un edifici universitari a la capital peruana de Lima, els arquitectes van recórrer a un estil similar –amb ressò de brutalisme– a un mestre de São Paulo per obtenir consells sobre les condicions climàtiques. Com a resultat, la discussió va tractar diversos temes i GRAFTON va crear una instal·lació com a homenatge a Mendes da Rocha: els models de parts del seu estadi Serra Dourada a Goiânia s’oposen físicament als models dels edificis peruans i d’altres universitats. del taller irlandès (junts formen un cercle). En la unió d’aquests temes, va sorgir la interpretació de la universitat com a escenari d’aprenentatge.
Les tres "virtuts" de l'arquitectura, que figuren al manifest del comissari biennal David Chipperfield - continuïtat, context i memòria - es reflecteixen en el "Projecte Campo Marzio" a gran escala, executat per l'escola d'arquitectura de la Universitat de Yale. Es basava en una sèrie de gravats de JB Piranesi "Camp de Mart de l'antiga Roma" (1762): els autors van intentar reconstruir aquest antic territori. Les interpretacions modernes d’un espai imaginari i tot tipus d’especulacions (mostrar un espai per a ells és un dels objectius del projecte) es presenten en quatre seccions. Peter Eisenman va actuar de dues maneres: com a professor de Yale i iniciador del projecte, va assumir el mateix projecte Campo Marzio, on s’analitza la reconstrucció de Piranesi segons criteris formals (eixos de simetria, etc.) com a “experiment arquitectònic”, i com a cap, el seu propi despatx va desenvolupar el seu tema favorit de diagrames i va rebre el "Camp dels esquemes", on l '"estètica compositiva" de l'arquitecte barroc "es converteix en un palimpsest de qualitats espacials i temporals entre l'Imperi Romà i la modernitat".
El camp de les parets de Pier Vittorio Aureli i Martino Tattara (Dogma, guardonats amb el premi Yakov Chernikhov 2006), on tots els edificis van ser substituïts per línies paral·leles; la influència del postmodernisme italià es fa sentir tant en la idea com en la presentació del projecte. L'última reencarnació de Campo Marzio és el "Camp dels Somnis" de l'Escola d'Arquitectura de la Universitat d'Ohio, en què la "passió, obsessió i espectacle" de l'antiga Roma es converteix en la "moral" de l'arquitectura moderna: per exemple, a l'antiga "fites" com el Panteó, amb l'autor declarat de l'emperador Hadrià (més que famós, segur!) van afegir brillants projectes de les "estrelles" actuals: Peter Eisenman, UNStudio, Greg Lynn i altres.
Chipperfield també va aconseguir trobar una plataforma comuna entre Occident i Orient, contràriament a l'opinió del seu famós poeta compatriota. En paral·lel, els èxits en la restauració de monuments històrics i el retorn de l'entorn històric a la "vida activa" per part de la xarxa de desenvolupament Aga Khan, que treballa als països musulmans, i els projectes de Mario Piana, realitzats al cor d'Europa, es mostren els uns als altres. Aquest últim reconstrueix detingudament i amb cura els monuments de Venècia per a un ús posterior, entre els seus darrers projectes, per exemple, la transformació del Palazzo Grimani en museu, així com el treball a l'Arsenal.
"40.000 hores" també es dedica a més d'un tema general: les maquetes com a tasques d'aprenentatge. El nom reflecteix la quantitat de temps que els estudiants van dedicar a les dotzenes de models que es mostren aquí i l’anonimat dels models col·locats a les prestatgeries afegeix intriga a aquesta exposició, posant èmfasi en la varietat d’idees que neixen en el procés d’aprenentatge i en el diferent El potencial dels joves dissenyadors pot ser: aquí teniu les obres dels estudiants universitaris de París, Oslo, Sao Paulo, Munic, Ljubljana, Venècia i moltes altres ciutats del món.
L’Oficina OMA va tornar a dirigir-se, com el 2010, cap a la qüestió dels ideals del modernisme. Però si llavors només era una petita part de l'exposició Cronocaos, ara els arquitectes han presentat un estudi complet sobre la contribució dels "buròcrates anònims", arquitectes al servei municipal, a la vida urbana. Alguns exemples que es mostren són el Memorial Michael Farraday i la Hayward Gallery de Londres, la prefectura de Val-d'Oise a Pontoise, l'Escola d'Arquitectura de Nanterre i l'edifici de l'Oficina d'Obres Públiques de Wibautshuis a Amsterdam. Els projectes del modernisme tardà i del brutalisme, que ara corren el major risc de demolició, no van ser escollits per casualitat, tot i que aquí no s’esmenta directament, és ben sabut que Rem Koolhaas veu la raó d’una actitud tan despietada envers aquests objectes. en el remordiment que senten els actuals funcionaris. Van deixar el benestar de la gent del poble a mercè dels comerciants i no volen veure davant d’ells un recordatori dels dies en què tot era diferent.
L’exposició “The Banality of Good” dels Crimson Architecture Historians és aproximadament la mateixa. Els autors van traçar una trista tendència: després de la Segona Guerra Mundial, les noves ciutats es van convertir gradualment en un paradís modernista per a tothom en una comunitat tancada per als ciutadans rics, el benestar general va ser substituït per la omnipotència del mercat i els ciutadans van quedar els seus propis dispositius. Entre els primers exemples, però humans, hi ha el britànic Stevenage (1946) i Tema a Ghana (1956), entre els exemples comercialitzats i individualistes més recents hi ha la ciutat econòmica del rei Abdullah a l’Aràbia Saudita (2006). Cada ciutat il·lustra un fototríptic: l’ala esquerra dóna respostes a les preguntes “des d’on” i “per a qui”, al centre explica els valors i les ambicions de la ciutat, a la part dreta: sobre els planificadors, el seu coneixement i conservadors del projecte al govern. L’ús de la iconografia religiosa és un clar intent de recordar la importància d’un enfocament responsable de la planificació urbana (en el sentit literal de la paraula) per a la vida de la societat.
L'exposició Pasticho de Caruso St. John és un exemple de l'execució precisa de Chipperfield. Aquests arquitectes britànics van convidar companys a coparticipar a l'exposició, tal com pretenia el comissari de la biennal. La base de l’elecció és treballar amb el patrimoni, però no amb la imitació formal, sinó amb el parentiu espiritual. Es tracta de projectes de reconstrucció tan reflexius com la nova exposició del Museu Soane de Londres dels propis "líders" de l'exposició i les obres del suís Peter Merckley, que conserven ecos de tradició en edificis modernistes austeres.
Un altre tema universal són les revistes d’arquitectura. El projecte de Steven Parnell parla de la Domus de la postguerra, Casa Bella, Architecture Review i Architecture Design, a les pàgines de les quals es van desenvolupar discussions sobre els temes més urgents. Allà, no només podeu veure les nombroses portades de les edicions esmentades, sinó també llegir els números d’aquest període “heroic” de crítica arquitectònica i també pensar en el seu lloc al món modern.
MVRDV mostra un vídeo del seu programa de recerca Why Factory que explora una alternativa a les regulacions rígides per a qualsevol activitat de construcció. Segons els holandesos, si cada persona assumeix la plena responsabilitat de la seva construcció, inclosa la subministració d’aigua, electricitat, etc. (independentment de les xarxes!), Donarà lloc a una organització més eficient dels recursos i espais públics que la llançat des de dalt i permetrà una planificació racional.
També hi havia exposicions obligatòries “estrella”, tot i que estaven menys dedicades a l’auto glorificació que a qüestions arquitectòniques generals: Jean Nouvel va parlar del projecte per a la reconstrucció del nus de trànsit Slussen a Estocolm, Alejandro Aravena i Elemental, sobre la seva lluita les conseqüències del terratrèmol a Xile (en plantar arbres a la franja costanera per protegir el tsunami, nous tipus d’habitatges temporals, etc.), Norman Foster al seu edifici HSBC a Hong Kong 30 anys després del part.
Entre els projectes inesperats - "Thepis's Carriage" de L. O. M. O. Es tracta d’un escenari mòbil per a representacions, que porta el nom de l’antic poeta grec, el llegendari “inventor” de la tragèdia. La idea de la semblança entre l’espai de la ciutat (la base més comuna per a l’arquitectura) i el teatre va ser recolzada per una representació del grup DER BAU de l’Acadèmia de Berlín d’Arts del Teatre d’Ernst Busch.
Olafur Eliasson va mostrar el seu projecte Little Sun. No només és una obra d'art, sinó també un element essencial: una làmpada alimentada per energia solar. Ara, prop de 1.600 milions de persones als països en desenvolupament viuen sense accés a les xarxes elèctriques, i unes làmpades petites tan econòmiques els ajudaran a sobreviure a les fosques.
De l’antiguitat al futur, del general al particular: els participants de la Biennal del Pavelló Central van poder reflectir en els seus projectes les principals tendències culturals i arquitectòniques de l’època, tal com esperava el comissari David Chipperfield.
