Heu vist mai com es dibuixen els conjunts? - Molt de què?
- I res, només molts …
Lewis Carroll, Alícia al país de les meravelles
Cal pensar que el comissari Aaron Betsky va traumatitzar profundament la biennal arquitectònica el 2008; per segona vegada, el fil conductor de l’exposició és un retorn a l’arquitectura. En la interpretació del comissari David Chipperfield d'enguany, la tasca principal era "convèncer tothom de l'existència d'una cultura arquitectònica, creada no per genis individuals (llegiu: estrelles), sinó per una comunitat amb una història comuna, ambicions comunes, locals i idees. " En conseqüència, el comissari va donar a tots els participants convidats al programa principal de la Biennal una tasca difícil: mostrar el més important, trobar el significat profund (que sigui complet). En altres paraules, busqueu arrels, identifiqueu les fonts i components de la vostra inspiració, idees i imatges clau, la matèria original del seu treball. Per tal de combinar les respostes trobades i veure com interactuaran en un terreny comú comú, que en aquest cas significa - a l'espai d'exposició.
El tema de la Biennale Common terrain, suggerit a Chipperfield pel professor de sociologia Richard Senett, ja s’interpreta al manifest d’una manera ambigua i multicapa, donant als participants una major llibertat. La primera capa és la més comprensible: es tracta d’espais públics. Però Chipperfield estipula immediatament no només els espais públics d’algunes oficines i supermercats, sinó els “semitons més subtils” entre el privat i el públic, els resultats de l’eterna lluita de l’individu i del general. La segona de les interpretacions del tema proposada al manifest curatorial és la interacció d'un arquitecte amb professions relacionades ("l'arquitectura requereix treball en equip", escriu Chipperfield). I, finalment, la tercera capa és la més prima: el rerefons cultural i històric, que tots tenim d’una manera o altra en comú.
A l’entrada de Corderi ens rep una paret blanca que travessa el vestíbul buit, un pou venecià de pedra al davant i diverses petites exposicions, a primera vista, completament seleccionades a l’atzar: tres simples comparacions formals, acompanyades d’una breu reflexió de Bernard Chumi.; una exposició-diari dedicada a Venècia amb entrevistes a residents locals; i el Monument al Modernisme més divertit, un "collage tridimensional" d'obres mestres del segle XX (inclòs el Club Melnikov de Rusakov), inventat per l'arquitecte Robert Burchart el 2009 per a una ubicació molt específica a Berlín. Tres petits (francament, no el més significatiu d’aquesta Biennal) projectes expositius no estan connectats en absolut. L’única connexió entre ells és l’espai comú del vestíbul i el terreny comú escrit a la paret. Són diferents, aquests projectes, però coexisteixen i inevitablement sorgeixen algunes connexions entre ells.
Aquesta estranya primera sala és, de fet, el manifest més clar de tota l’exposició de Chipperfield. Més endavant, Corderi serà el mateix: alternança, barri i una barreja de grans i petits, espectaculars amb informatius, formals amb trama, joves arquitectes amb vells i obscurs constructors indis amb famoses estrelles britàniques; la llista és gairebé infinita. El comissari David Chipperfield sembla haver-se proposat recollir aquí un espectre de la diversitat del món arquitectònic, presumiblement per sortir col·lectivament de l’aparent crisi del pensament arquitectònic. L’arca, no d’una altra manera. Aquí hi ha almenys una còpia de cada criatura.
He de dir que la primera sala sembla una mica aterridora: sembla una exposició supernumerària, que no tenia prou material per sorprendre l’espectador. Més endavant (darrere de la paret) segueix una severa alegria de les fotografies de Thomas Strut, que no alleuja immediatament els espectadors de la temible sospita que només es mostraran imatges emmarcades i maquetes de cartró aquí i més enllà de tota la Corderia. Però la situació és diferent: absolutament sorprenent, si les mireu de prop, les fotografies de Strut constitueixen en realitat el "nucli" de tota l'exposició curatorial de l'Arsenal: la seva exposició es divideix en quatre parts, que es troben als llocs més inesperats.. S'anomena "llocs inconscients" i mostra els tipus d'espais urbans "històricament formats", dels quals, com sabeu, la majoria al món: des dels afores de Sant Petersburg durant el període eclèctic, els caòtics afores de Lim, i als inquietants edificis de diverses plantes de les ciutats asiàtiques.
Així, doncs, l’exposició es construeix, de fet, de manera molt clara, fins i tot de manera clàssica: després d’un breu manifest d’introducció, segueix el començament de l’exposició “fonamental”. A la sala següent: l’impacte sensorial de la instal·lació de Norman Foster: un espai fosc, on al terra negre, arrossegant-se cap a les piles de les columnes de Corderi, parpelleja la projecció dels noms dels arquitectes des d’Hippodamus fins a Eisenmann (seguint el principi de diversitat, hi ha molts noms de poc coneguts). Els noms dels arquitectes estan sota els peus, com les làpides dels humils abats de les esglésies catòliques. És cert que, a diferència de les plaques, aquests noms són tan mòbils que, si els mires durant molt de temps, el teu cap girarà. A la part superior, a les parets, acompanyades d’onades de soroll o silenci, parpellegen fotografies, recollides en diversos grups temàtics: revolucions (inclosos els Maidan i Femen ucraïnesos), oracions, ruïnes, les conseqüències dels desastres, alguns edificis espectaculars. impressionant i obliga a inspeccionar. Aquesta sala és sens dubte el primer acord de la simfonia.
Una alternança similar: salons emocionals brillants, mono-salons d’un objecte i, finalment, salons, gairebé plens de gom a gom amb petites exposicions, continua a l’Arsenal i més enllà. Es podria pensar que Chipperfield va agafar instal·lacions figuratives de la Biennal de Shojima, de la Biennal de Betsky, objectes voluminosos, va diluir tot això amb exposicions "arquitectòniques ordinàries" i va fer que tant els participants com els espectadors buscessin sentit a tot això. Cosa que no està malament, perquè em va fer pensar. L’exposició no és molt entretinguda (tot i que sí, hi ha varietat), et fa llegir i mirar amb atenció, buscar un concepte clau i parlar de quant es revela. A la sala de Foster, per exemple, es revela literalment: els noms dels arquitectes xoquen i bullen en un terreny comú. Però no només, és clar. Es tracta d’una instal·lació molt integral que inclou tots els espectadors en una experiència comuna de so i imatges.
El saló negre de Foster és seguit per la sala municipal de diversos participants: el campus, la seu de la companyia farmacèutica Novartis a Basilea, Suïssa, es mostra amb models. A prop hi ha una exposició personal en miniatura de l'arquitecte suís Luigi Snozzi, de 80 anys, que "va dedicar quaranta anys a treballar pel bé públic" i una projecció en vídeo del projecte Camí del pelegrí, en què joves arquitectes mexicans van crear diverses plataformes de visualització, capelles i refugis al llarg de la ruta pelegrina de 117 quilòmetres fins a la imatge de la Mare de Déu des de Talpa. L'únic accent important d'aquesta sala és l'objecte "Vessel" ("vaixell" o "vaixell") dels arquitectes irlandesos Sheila O'Donell i John Twomey, un mirador de fusta fet amb taulons de fusta "per a la contemplació" (una mica com 'Ear', construït per Vlad Savinkin i Vladimir Kuzmin a Nikolo-Lenivets). En una paraula, la varietat és òbvia.
Després hi ha una pausa artística a la petita sala de l’arquitecte suec Peter Märkli i el seu company Steve Roth. Aquí es col·loquen diverses figures escultòriques de metall, al voltant de les més valuoses, la Dona VIII veneciana d'Alberto Giacometti, envoltada d'un guarda. El significat de la instal·lació és bastant clàssic: una comparació d’una figura humana (que, però, s’endevina a les escultures mostrades després d’una certa tensió) amb una columna: els arquitectes situaven les figures a la intersecció de línies rectes imaginàries que connectaven les columnes de la sala. en diagonal. Tot i que aquest subtil disseny només es pot considerar d’acord amb l’esquema adjunt: un espectador menys atent considerarà que les figures simplement s’alineen al seu pas i, fins i tot, poden recórrer-les amb molèstia, mirant la guàrdia i no apreciant la sofisticació de Giacometti. Mentrestant, la idea del Märkli Hall s’assembla sobretot a l’anterior Shojima Biennale: el seu significat és reflectir l’arquitectura de l’Arsenal, és un tema biennal interminable, tot i que la idea no es limita a ella: la presència d’un la trama proporcional clàssica és més important aquí.
Llavors comença la diversió: clàssics alemanys, Zaha Hadid, Herzog i de Meuron i obscurs constructors indis amb okupes veneçolans. En parlarem una mica més endavant. Conserva les novetats.
