En sortir de l’exposició “Hipnosi de l’espai”, se sent una mica de soroll al cap, com després d’una bona actuació o d’una llarga pel·lícula. No d’una altra manera va ser atacat per Mart - aquest és el nom de la primera instal·lació - "Mars Attacks", el nom és deliberadament fantàstic, després de Wells, però consta de coses completament clàssiques: un gravat de Piranesi i un text d'Odoevsky. I així és tot.
L'objectiu declarat de l'exposició és "entendre la lògica del naixement de les emocions a l'Era de la Il·lustració i avui, a l'era dels jocs de rol en línia"; trobeu una connexió entre el barroc del segle XVIII i el ciber-barroc del post-internet. Vaja tasca, ho he de dir. En la nostra consciència quotidiana, estem acostumats a pensar que els ordinadors i els llibres, especialment els impresos, són més probables antípodes, enemics i competidors en la lluita pel temps lliure d’una persona, especialment un nen. L’exposició ens demostra que no és així, que els mons fantàstics del segle XVIII i l’actualitat estan estretament relacionats, interdependents i, en general, són el mateix. De fet, és clar, i els bons dissenyadors d’espais virtuals, tant de jocs com de cinema, ho saben i utilitzen molt bé, però amb la prova, resulta una història bastant llarga i laboriosa. Crec que caldrà una dotzena d’aquestes exposicions per demostrar-ho realment. D'altra banda, la super tasca del conjunt estimula perfectament el treball dur d'una banda i allibera el comissari de l'altra. No en va, el missatge curatorial consisteix en una menció força inesperada de les dachas de Tsaritsyn: l’estiu és un temps de joc, dacha, no massa seriós o encara és possible.
L’exposició ocupa 11 sales, dividides en nou temes i ubicades en un cercle al segon pis del palau, de manera que des del final es torna immediatament al principi. La part més forta i, objectivament parlant, la més interessant és un gran nombre de gràfics genuïns, principalment gravats, de la mateixa col·lecció "Tsaritsyn", així com de l'Institut Estatal d'Investigació de l'Acadèmia de Ciències. A. V. Shchusev, Teatre Acadèmic Estatal Bolshoi, Museu Bakhrushin, i de dues col·leccions privades. Un munt de Piranesi, i el de la col·lecció Tsaritsyn, sembla que no és molt famós; Gonzaga, Bibiena; Bogaevsky; hi ha Cranach i dues estampes italianes del segle XVI. Els decorats de Nicholas Benois per a la producció del somni d’una nit d’estiu al teatre Bolshoi el 1965, que mostren clarament la semblança de la sala gòtica i el bosc de pal, fan una impressió sorprenent: s’exposen per primera vegada. Recentment, el museu Tsaritsyno i el comissari Sergei Khachaturov i el comissari Sergei Khachaturov van adquirir una sèrie de fulls d’escenografia gravats per Johann Kharms per al ballet "Sobre la reunió i el moviment dels set planetes" de 1678, organitzats a la cort de l'elector saxó Johann George II. la seva co-comissària Daria Kolpashnikova ho va atribuir. A més dels relativament coneguts, però estimats fulls de la casa plegable de cartes de Brodsky / Utkin i Yuri Avvakumov.
El més interessant de l’exposició és examinar els detalls d’aquests gravats, en aquest sentit cau en la mateixa tendència que les recents exposicions d’aquarel·les al Museu Històric i a la Galeria Tretyakov: sens dubte estan dissenyades per a un aficionat, una persona qui està llest per "penjar" durant hores sobre algun dibuix estrambòtic o una columna o un traç d'aquarel·la de Gonzaga en un tros de paper de la mida d'un parell de caixes de llumins: aquí hi ha un munt de material, alegria per als ulls i per a la ment es proporciona. A més, entre els fulls i les sèries que es mostren, hi ha força descobriments, és a dir, coses que no s’han exposat àmpliament abans. El comissari diu que la col·lecció gràfica de Tsaritsyn mai no s’ha mostrat tan completament. En una paraula, definitivament hi ha alguna cosa que veure i admirar per als coneixedors. Però la majoria dels visitants de Tsaritsyn no estan entre ells, les "imatges" es perceben com un element de decoració de parets.
Per a ells, probablement es proporciona un xoc –dibuixat per una mà incerta–, però brillant al darrere dels escenaris amb una versió generalitzada dels personatges dels jocs d’ordinador (ho vaig mostrar a quatre jugadors, a tothom els costava anomenar la font) de l’artista Vladimir Kartashov. L’artista té 21 anys, totes les coses del 2018, les més fresques i ocupa gairebé tota una sala. No hi ha espais en absolut, probablement es podria dir que els propis herois construeixen l’espai del joc i que el visitant pot estar dins, entrar al seu cercle, sobretot perquè són una mica més alts que l’altura humana. Situat al costat del vestíbul dedicat a l’òpera seriosa: una òpera seriosa, producte del segle de la il·lustració, basada en l’al·legoria i, allò que hi ha, moralitzant, el més avorrit amb exuberants decoracions: “decoracions” de joguines d’ordinador tretes de context i realitzades a la manera de pintar ingènuament - el comissari les anomena "post-Internet" - només poden xocar.
Algú dirà: aquesta por aterradora ens demostra l’absència en la ment d’una altra naturalesa, excepte el joc addictiu: ni Mart ni Venus són interessants per a ells, donen-los a Sarah Kerrigan. Algú dirà, i pel que sembla, ja li va dir al comissari que és absolutament impossible exposar al costat de coses com el paisatge de la Ventafocs de 1945 de Peter Williams, de Prokofiev, i això és tot. Algú notarà que són de color molt semblants, o fins i tot recordarà: "No hi ha història pitjor al món que la música de Prokofiev al ballet", recordant el que era un innovador desesperat que era el clàssic reconegut actualment. El comissari Sergei Khachaturov construeix en realitat tota la seva complexa història a la recerca d '"artistes d'avantguarda del passat", comparant-los amb els nostres contemporanis molt joves (i no molt joves, com Brodsky, Utkin, Avvakumov). Piranesi per a ell - "la primera avantguarda radical en el camp del disseny arquitectònic", Gonzaga - "un autèntic revolucionari de l'art escenogràfic". Però és cert, amb el pas del temps els clàssics es cobreixen d’una inevitable capa de pols i, de vegades, cal "sacsejar-los" una mica, canviar els angles.
Els aiguaforts de Brodsky / Utkin conviuen amb dibuixos d’Andrei Khrzhanovsky (aquest és el meu dibuix favorit ", exclama el comissari:" El vaig veure per primera vegada el 1985), el segle XVIII regna feliçment a la sala Ruina. Un paper de calca completament nou, fet per a l'exposició, d'Alexander Brodsky és adjacent a l'acròstic de Derzhavin "El riu dels temps en la seva lluita …"; va passar així per casualitat, exclama Sergey Khachaturov: el vers aquí precedeix el vestíbul de les ruïnes, i Brosky en l'últim moment va portar un dibuix amb un riu del temps …
A mesura que ens movem, el component teatral va creixent - primer ens introdueixen en l’escenografia d’una “òpera seriosa”, després- en l’obra del teatre Juliensembl sobre els temes de les doctrines filosòfiques que construeixen un paral·lel modern, no sense crits, sinó evident. amb el ballet Seven Luminaries. Per cert, aquí, a la sala gran, és absolutament necessari donar la volta a la cantonada d’una gran pantalla multimèdia dissenyada per mostrar detalls de gravats i trobar-hi tres quadres de Yegor Koshelev amb personatges de La flauta màgica (Reina de la nit) - en un davantal i amb una tassa de cartró); al seu torn, formen un pandanus als herois esmentats dels jocs d’ordinador, però són atractius acadèmicament i fins i tot embruixadors; aparentment estan dissenyats per canviar la pista que es dóna al principi als jocs d’ordinador pel que realment interessa al comissari. - a l’art i el teatre moderns, dels quals n’hi ha molts més. I, finalment, l’última sala és totalment teatral, ocupada per una decoració a gran escala per als “drillians” de l’Electroteatre de Boris Yukhananov, on les ones de guix, “drills”, s’assemblen desesperadament a columnes en forma d’espiral, per exemple, Sant Pere a Roma, per la paraula "cargol" columnes, capritxós i inspirador, són molts dels projectes d'escenografia exposats.
Quan fa molt de temps Nikolai Merkushev, ara professor de Stroganov, em va ensenyar escenografia; i l’artista favorit era Valery Leventhal; aleshores, la tasca del primer estudiant era una "natura morta" sobre el tema de l'obra: sembla que no ho vam entendre immediatament, però no havia de ser una natura morta, sinó una mena de diferents objectes que figurativament i revelar emocionalment el tema. Recordo que no va ser una tasca senzilla, tot el temps va resultar ser una mena de pila indistinta. L’exposició s’assembla a una "natura morta" tan única, només la resultant, enfocada a molts fils especulatius: la connexió de la connexió incompleta, la cerca de connexions internes i, com més gran sigui la bretxa, més gran és la tensió i més nítida és la percepció, però de tant en tant per a l'espectador fan pauses, donen "descans", per exemple, submergiu-vos en un temple maçònic: els objectes del cerimonial maçònic es guarden a Tsaritsyno i, si tingués el meu camí, mantindria aquest fragment en un exposició permanent. O al karcheri de Piranesi, juxtaposat amb Brodsky / Utkin's Columbarium.
Tot això, per descomptat, s’ha de combinar d’alguna manera. Sembla que de vegades el contrast i la inesperada defamiliació de les juxtaposicions serveixen com a element de connexió. Però les metafísiques decoracions blanques de Stepan Lukyanov, l’artista principal de l’Electroteatre Stanislavsky, que va erigir piràmides al temple maçònic, a la sala del Pavelló, un pont similar al venecià, a la sala Ruin, una torre de ruïna de Désert de Retz sota París. Així, tota l’exposició es converteix en una obra d’escenografia, una història sobre la vida i les possibilitats de l’arquitectura imaginària, una versió volumètrica de l’actuació de Pietro di Gottardo Gonzaga, que consisteix només en pintures, però no menys emotiva i que en parla. És, com una òpera o un ballet barroc, enfocat a una seqüència de temes fortament associats a la personalitat del comissari, un historiador de l’arquitectura moderna, però també un coneixedor de l’art i el teatre contemporanis. A la tercera sala se’ns explica que l’escenografia barroca es va construir sobre temes que es repetien: el palau, la masmorra … L’exposició, com una representació, també es basa en temes i són en part manllevats de l’escenografia barroca, en part la cultura del parc i la cultura de l’època de la Il·lustració en general - el temple maçònic, el pavelló, la ruïna - coses que es consideraven importants per al desenvolupament de la personalitat, “aprenentatge”, és a dir, com diríem ara, el creixement personal i el desenvolupament de la intel·ligència emocional.
També era impossible prescindir de la parla ordinària, explicació repetida: molts textos que acompanyen són una mena de llibret per a l’exposició, permeten llegir-lo com un llibre, el mateix comissari promet dirigir excursions (hauríeu de buscar anuncis a Facebook), s’adjunta a l’exposició una guia de la plataforma Izi. Travel.
