El programa paral·lel de la XIV Biennal d’Arquitectura de Venècia incloïa una exposició que sembla que no té res a veure amb l’art de l’arquitectura. Es refereix a l'exposició "A l'altre costat de la porta vermella" de la figura principal de l'art no oficial de l'URSS Mikhail Roginsky. Les seves obres del 1978-2001, el període de l'emigració parisenca, van ser portades per la Fundació Mikhail Roginsky i en artibus, dirigida per la patrona Inna Bazhenova. L'exposició es va preparar en col·laboració amb la vídua del mestre Liana Shelia-Roginskaya.
Per què és pintor a la Biennal d’Arquitectura? No és tan senzill. La comissària de l’exposició Elena Rudenko va explicar que l’estratègia de Roginsky de dividir el món en preelements (porta, taula, prestatge, cadira, banyera, ampolla) és força coherent amb la idea de Fonaments, que va ser formulada pel comissari de la La Biennal Rem Koolhaas i va determinar la direcció de l'exposició principal del festival.
Com recordem, la principal exposició al pavelló central de Giardini es diu Elements of Architecture. Presenta un cert catàleg de mòduls a partir dels quals es construeix l’edifici: sostre, finestra, terra, balcó, bany, porta, etc. L’exposició és notable com a exemple de propedeutica arquitectònica, un llibre de text tridimensional per ensenyar l’alfabet de les formes arquitectòniques. Els articles enciclopèdics, que acompanyen la demostració de mostres de sostres i lavabos, podrien convertir-se en la base dels resums d'alguns i joves curiosos de les universitats i universitats d'arquitectura. El problema és que, en comunicar-se amb aquesta enciclopèdia d’elements, no hi ha cap emoció personal ni el discurs de l’autor de l’artista-creador. L’exposició de Roginsky resol aquest problema. També tracta de protoformes del nostre ésser i de la nostra vida. Tanmateix, cadascun d’ells és capturat en un retrat i carrega de l’energia vital obtinguda pel propi artista.
Els que entren a la Universitat Ka'Foscari, on es troba l'exposició de Roginsky, són rebuts per la seva llegendària "Porta" vermella. Es tracta d’un objecte de 1965. No es troba, com es podria pensar al principi, sinó que es va crear a propòsit i amb un "retrat" absolut, com el "Quadrat negre" de Malevich, la plasticitat i fins i tot les expressions facials. El treball amb la superfície és magnífic, que l’artista prepara de manera tan joieria (amb molta atenció a totes les rebaves, gotes de pintura i craquelures) que el producte aspre adquireix la qualitat d’una joia única, com un autoretrat xifrat de la autor.
Així doncs, ja a les portes, el visitant de l’exposició adquireix una dimensió de la humanitat en la comunicació amb el modernisme internacional de cases de blocs i apartaments estàndard, indiferent a aquest problema. Un altre moviment dóna suport i desenvolupa aquest tema de "mesurar la humanitat". És fantàstic que l'arquitectura de l'exposició la fes el gurú del modernisme rus, Evgeny Ass. Va situar l’obra en dues plantes. El disseny principal de la suite principal de la Universitat de Ca'Foscari és senzill: un gran passadís amb vistes al Gran Canal. Paral·lelament hi ha una cadena de petites habitacions medievals amb sostres de fusta i, de vegades, xemeneies. Ass cul va dificultar deliberadament l'experiència de l'espai. Va tallar totes les suites amb falses parets de fusta. Cada habitació construïda a l'antiguitat estava pintada amb el color de la pintura de Roginsky (tons suaus de rosa, verd, blau fosc, blanc lletós, ocre). Va resultar ser com un laberint. L’espectador vaga pels racons de la consciència d’un resident de Khruixxov soviètic i d’apartaments comunals. La conversa la condueixen coses que habiten les habitacions d’aquests apartaments.
Una pregunta a Evgeny Assu
Archi.ru:
- Evgeny Viktorovich, quin efecte volíeu aconseguir en el projecte d'exposició?
Evgeny Ass:
- Efecte no és la paraula adequada: vaig intentar aconseguir una certa congenialitat de l’espai expositiu de la pintura de Roginsky. I no parlaria del laberint, sinó de la difícil trajectòria del moviment dins de l’espai pintoresc. Les formes trencades dels salons, les transicions espacials dramàtiques (totes les obertures es fan diferents), la penjada irregular d’obres, per a mi tot això és l ’“arquitectura de la pintura”de Roginsky.
Hi ha moltes coses a les habitacions i es recullen per seccions. El primer és "ABC de la bidimensionalitat". Obres 1978-1980. Prestatges amb ampolles i plats. Pintat deliberadament brutalment amb acrílic barat sobre paper o cartró econòmic. Dotat d'algun tipus d'animal, força primitiva. La pintura silvestre s’assembla al fauvisme: l’aparent negligència de l’origen dels més aristocràtics. La precisió i la profunditat del color i la bellesa de les relacions tonals actuen com un vitrall il·luminat pel sol.
A la secció “Interior. Escenografia. Figura a l’espai”mostra obres del 1981 al 1982. Es tracta d’una reconstrucció visual de Roginsky d’aquells apartaments que es coneixien des dels anys soviètics. L’artista ja vivia a París i pintava habitacions amb una pantalla, banys i escales de memòria. No volia agradar a ningú. El seu credo era alliberar l'art de la bellesa i l'artificialitat, per esborrar al màxim la distància entre la pintura i la vida. Al cap i a la fi, tenen una afinitat viva. Per tant, els seus interiors són deliberadament pobres i fràgils. Amb banyeres fumades, radiadors polvoritzats, taules rugoses i escales incloses. Les pintures de dos metres es fan sobre paper amb acrílics en una tècnica quasi monocroma: gris tenyit de rosa. No obstant això, en entrar en aquests interiors amb els nostres ulls, no sentim inferioritat ni molèsties. Un treball subtil amb espai i delicats matisos de la superfície dins del mateix to fan que la pintura sigui exquisida i molt noble. No és d'una altra manera en aquests interiors comunitaris del modernisme soviètic retalls de disputes intel·lectuals sobre Bakhtin i Shklovsky (es van dur a terme precisament a l'espai de les cuines comunes).
Una obra de l’exposició fa referència amb precisió a un possible simpatitzant de Roginsky en el sentit de crear una forma deliberadament lletja i grollera, però alhora refinada i bella en la plasmació de la subtilesa de l’art. Aquesta obra és "Perruqueria". En la boira de l’alba del matí, una perruqueria soviètica talla hàbilment els cabells d’un client assegut davant d’un mirall. Bé, per descomptat, l’homòleg de Roginsky en aquest cas és Mikhail Fedorovich Larionov amb els seus barbers, la maldestra pantomima de la vida de les ciutats de província, la pintura deliberadament sense art i, amb tot això, una cultura impressionant del color i de l’espai. Roginsky i Larionov estan units per la comprensió de l’entorn urbà ordinari i banal com a font única d’idees i imatges artístiques.
Avui, tant a Rússia com al món, hi ha hagut un procés de rehabilitació d’aquesta arquitectura impersonal bloquejada dels anys seixanta i vuitanta, que de moment a la intel·lectualitat era indecent a estimar, i a odiar-lo era Bonton. Avui en dia, la generació més jove es troba precisament en la segona onada del modernisme de postguerra buscant exemples d’un estil antiburguès que respongui als problemes socials. Molts pavellons de la Biennal actual estan dedicats als edificis modernistes dels països dels anys seixanta-vuitanta.
Com inspireu l’espectador a posar-se en contacte amb aquesta indiferent arquitectura? Com animar-la? Roginsky ajuda a trobar la resposta. L'última secció de l'exposició es diu "La pintura retornada" (1991-2001). Mostra quadres (llenç, oli) amb vistes als racons de Moscou, que l’artista resident a París va escriure de memòria. Les cases roses amb fileres de finestres idèntiques, barraques blaves, carrers grisos i entrades semblarien depriment i sense alegria si no fos per l’energia de l’amor i la compassió que emanen de cada tela. Al món que l'artista va deixar fa molt de temps, però que va romandre amb ell de per vida.
L’exposició està oberta fins al 28 de setembre.
