Hani Rashid va venir a Moscou per pronunciar una conferència sobre l'experiència de Moscou com a part del programa d'estiu de l'Institut Strelka per a mitjans, arquitectura i disseny.
Archi.ru:
A Moscou, tothom està molt interessat en el vostre futur museu a ZIL, una branca de l'Hermitage. Encara no tenim un edifici museístic de diverses plantes i aquests edificis són rars al món. Com teniu previst distribuir els salons d’exposició als pisos, els uns sobre els altres o d’una altra manera?
- Una de les idees clau per resoldre el nostre projecte va ser que vam proposar una nova actitud sobre com mirar l’art, com percebre’l. Per a l'art contemporani "tradicional", l'edifici tindrà galeries "regulars", amb parets blanques, un espai clar i continu, etc. No obstant això, al mateix temps, hi haurà espais menys familiars pels quals es mourà el visitant i on es convidarà als artistes a crear obres úniques i, possiblement, a realitzar experiments. A més, el museu té previst espais adequats per exposar obres molt grans, possiblement de fins a 30 m d’alçada, per exemple.
Si penseu en la història de l’arquitectura dels museus i en com la gent veia l’art a l’espai públic en termes d’història i tradició, és important analitzar els museus més antics en aquest context. Als segles XVIII i XIX, la relació entre l’espectador i l’obra d’art es considerava com una cosa sagrada i, en molts aspectes, l’espai de “galeria” tal com existeix s’adhereix a aquestes dinàmiques i actituds. Al mateix temps, sovint s’ha qüestionat aquest tipus d’experiència visual, l’exemple més significatiu de mitjan segle XX: el famós museu Frank Lloyd Wright Guggenheim de Nova York. En primer lloc, la rotonda d’aquest museu va crear una nova relació entre l’espectador i l’art, on l’art no només es podia veure des de diferents angles i diferents perspectives úniques, sinó que també s’exhibien els visitants del museu i, per tant, complementaven la percepció col·lectiva d’art. A més, al Turbine Workshop de la Tate Modern de Londres, obres a gran escala encarregades especialment per a ell van crear "esdeveniments" que atreien els visitants [a la seva òrbita], transformant així l'experiència de veure l'art d'un passiu en un actiu i fins i tot interactiu experiència i presentació.
Parlant específicament d’aquest aspecte del nostre projecte museístic, preteníem combinar l’experiència de “mirar” l’art en sales ben dissenyades (amb una il·luminació ben pensada, etc.) amb les accions “aleatòries” dels visitants que també són convidat a moure’s dins de diversos volums arquitectònics intermedis i, a través d’ells, a mirar l’art d’una manera única, des de diferents perspectives que fomenten lectures completament noves i, espero, noves comprensions. Mitjançant la planificació i el programa funcional del museu, dissenyat d’aquesta manera –com a “desconnectar” o potser fins i tot “trencar” - sorgeixen una sèrie d’habitacions i buits, que, preses una per una, redueixen o disminueixen certes “expectatives” sobre com s’hauria de percebre un museu d’art contemporani. Per exemple, la idea d’un atri central com a autoritària i clarament definida, que va ser establerta pel Guggenheim de Nova York a mitjan segle passat, i que va destacar el Guggenheim de Frank Gehry a Bilbao, per al projecte del qual és clau. Actualment, molts museus nous fan servir l'atri com un camí per on es troben les galeries de caixes blanques. Això és problemàtic per a nosaltres, de fet, com a forma d’experimentar l’art; és un tòpic que cal tornar a qüestionar-se.
En relació amb tot el territori de ZIL, hi ha un problema: serà una zona gairebé completament nova, i aquests edificis solen estar sense vida i artificials. Teniu molts projectes de nous territoris per a diferents ciutats del món. Com es pot evitar aquesta artificialitat en el cas d’un nou desenvolupament?
- Estic d'acord que pot ser difícil prevenir aquesta síndrome si l'economia i la política són els motors d'aquests projectes. Mentrestant, en el cas de ZIL, tant l'autor del pla general Yuri Grigoryan amb la seva oficina Megan, com el nostre client Andrey Molchanov i el seu grup LSR estan molt interessats a evitar aquest problema. Des del primer moment, ens van demanar ser empàtics i reflexius sobre el territori ZIL, inclosos els seus edificis, la seva història i el seu patrimoni, alhora que se’ns va encarregar simultàniament de dissenyar quelcom nou, “refrescant” i potent en aquest context, com a catalitzador integral desenvolupament d’aquest territori. Aquest és el nostre objectiu.
El nostre edifici per al Museu Contemporani Modern Hermitage estarà situat al bulevard de les Arts, que és fonamental en el pla director de Yuri Grigoryan. La vida a ZIL s’organitzarà al voltant de la cultura, inclòs l’art contemporani i l’art contemporani. L '[existència] del museu indica que el desenvolupament d'aquesta zona es veu de fet com un projecte cultural significatiu. Crec que aquesta és en realitat la idea principal d’Andrei Molchanov: aconseguir-ho a tot el territori de ZIL. El nou museu, juntament amb altres objectes culturals previstos per a aquesta zona, està dissenyat per evitar la possible manca de vida i esterilitat que caracteritzen algunes de les noves àrees.
Tindreu un altre edifici a ZIL, un gratacel residencial de 150 metres?
- La torre ZIL és una peça d’arquitectura moderna molt elegant, a diferència de qualsevol altre edifici del món. Crec que serà una addició única al paisatge de Moscou.
En tots dos projectes per al territori ZIL, vam estudiar la seva història en relació amb la modernitat russa i la història de l’art d’aquest període. Jo mateix admiro els constructivistes, especialment l'artista constructivista Gustav Klutsis. Klutsis va crear "altaveus de ràdio" i altres treballs molt interessants a principis del segle XX. El nostre disseny per a la torre de ZIL va estar influït per aquestes estructures dinàmiques i poderoses, així com per les pintures i altres obres de Vladimir Tatlin, El Lissitzky i diversos altres mestres d’aquest important període de la història de l’art i l’arquitectura a Rússia.
Tant la torre com el museu també es van crear sota la influència del propi ZIL, els seus antics tallers, una història i un patrimoni remarcables. He vist moltes vegades la increïble pel·lícula de Dziga Vertov “L’home amb una càmera de cinema” per comprendre millor els sentiments i les emocions, així com la dinàmica i l’estètica que es pot extreure de l’antiga energia del procés de muntatge del cotxe i de la magnificència d’aquestes. fàbriques - especialment ZIL.
El nostre projecte museístic també es va inspirar en el constructivisme rus, especialment en els prouns d'El Lissitzky. Tanmateix, en ambdós casos –la torre i el museu– les citacions directes i pronunciades similituds estètiques no són evidents ni pretenen. No es tracta de projectes postmoderns i no pretenem que aquestes obres semblin edificis de l’època constructivista, edificis del passat en general. Més aviat, pretenem despertar l’esperit: la base de tantes idees radicals que els constructivistes han expressat en el seu enfocament formal poderós i revolucionari de l’espacialitat realment dinàmica.
El disseny del museu també està inspirat en fonts una mica més inesperades, inclosa la pintura russa del paisatge del segle XIX. Els bells i alhora "persistents" paisatges d’aquesta època tenen una forta resplendor interior i l’efecte de l’atmosfera. M'agradaria que aquest edifici també evocés aquestes sensacions, en combinació amb volums interiors inspirats i amplitud.
Un altre aspecte important a tenir en compte a l’hora de debatre sobre el museu i la torre és el concepte molt urbà del Boulevard of Arts, on es centrarà principalment en les institucions culturals, incloent un centre d’arts escèniques, un teatre de titelles, un gran “parc d’art” i altres projectes. Tot el pla de ZIL és el resultat de la visió d’Andrey Molchanov, que entén realment que la construcció d’habitatges requereix una reflexió més profunda sobre altres aspectes de la dimensió humana.
Molchanov va viatjar especialment a Nova York i Los Angeles, així com a diverses ciutats europees, per convidar arquitectes "internacionals" a fer projectes per a ZIL. Ens va demanar, en particular, de crear alguna cosa molt especial i molt sensible a la història de Moscou i ZIL.
Crec que Molchanov és ben conscient de les peculiaritats de la situació quan es convida a destacats arquitectes estrangers a treballar "localment", que en aquest cas estarem especialment atents a les propietats especials d'un lloc i d'una ciutat. Ens van demanar que dissenyéssim dos edificis molt forts i atractius, adjacents a altres edificis ben pensats, interessants projectes d’habitatge i espais públics. He d'afegir que és molt bo que Yuri Grigoryan, juntament amb Andrei Molchanov, decidís mantenir alguns dels edificis antics del pla director, cosa que permetrà que algunes de les característiques del territori original es tornin intactes com a part integral de la nova història de ZIL.
Dissenyeu per a diferents països del món, mentre que a tot arreu: les vostres tradicions, el vostre nivell de tecnologies de construcció. Com afrontar aquesta diferència?
- Hi ha dues respostes a aquesta pregunta. D’una banda, com que el meu pare era un pintor abstracte d’origen egipci i amb seu a París i la meva mare era britànica, sóc essencialment un híbrid cultural. A més, els meus pares van deixar els seus països d’origen i es van traslladar al Canadà, on vaig créixer. És a dir, em veig com una mena de "nòmada cultural", de manera que, independentment d'on treballi en termes de lloc i cultura, tinc una sensibilitat cap al que podria anomenar "ADN" d'un lloc. De petit, vivia a tants països i, com a hereu de dues cultures molt diferents, era necessari que desenvolupés aquesta sensibilitat, aquest instint és simplement una qüestió de supervivència i un mitjà per entendre on estic. moment concret en el temps.
D’altra banda, atès que hem dissenyat i construït per a diferents ciutats i contextos, cada projecte té les seves limitacions úniques a causa d’una ubicació, agenda, programa, economia, etc. Moltes de les oportunitats que ofereix cada ubicació són úniques i hem de "extreure-les". No som d'aquests arquitectes que dissenyen els mateixos projectes per a diferents llocs del món, independentment del context. Més aviat, dissenyem edificis adaptats al programa i al pressupost, com en aquest cas, no massa extravagants ni excessius. La nostra intenció sempre ha estat fer que el nostre treball sigui discret i intel·ligent alhora, amb una atenció especial a l’elecció de les tecnologies de la construcció i dels materials locals. Al mateix temps, defensem que la construcció ha d’estar molt avançada, de manera que busquem un enfocament que ens permeti obtenir resultats elevats. Un altre aspecte clau és la selecció de l’equip del projecte, que s’assembla molt a crear una orquestra: triar les persones, els components adequats, trobar les tècniques, les eines i els mètodes adequats. Un excel·lent equip amb el qual colaboreu en tots els aspectes del disseny determina l'èxit final del negoci, allà on es trobi el projecte [l'oficina SPEECH s'encarrega dels dos projectes Asymptote per a ZIL - nota de Archi.ru].
Aquests dos dels nostres projectes de Moscou seran importants no només perquè formen part integral de la situació russa actual, sinó també perquè seran innovadors i rellevants en termes de cultura, tecnologia i economia. Esperem que siguin importants també per als residents locals, que siguin percebuts com a obres rellevants i espirituals. Aquests projectes Asymptote fan justícia a l'arquitectura, la converteixen en el seu tema principal i, per aconseguir-ho, no han de ser costosos ni pretensiosos. Per a nosaltres, assumir aquest repte és un objectiu molt realista, perquè, com podeu veure, no som el tipus d’arquitectes contractats per daurar un bany o una sala de ball (riu).
Com heu rebut aquesta comanda? Se us va oferir o hi va haver alguna competició?
- Vaig conèixer Andrey Molchanov a Moscou l'hivern passat i després em va demanar que dissenyés una torre per a ZIL (ZIL Gateway Tower). Quan li vam mostrar la nostra cartera d’obres, estava interessat en el nostre projecte per al concurs del Museu Guggenheim d’Hèlsinki, i crec que, després de les negociacions amb el director del Museu Estatal de l’Hermitage, Mikhail Piotrovsky, se’ns va proposar desenvolupar un projecte per a la sucursal del Museu Estatal Hermitage de Moscou, destinat a l'exposició d'art modern i modern. Crec que tant Molchanov com Piotrovsky saben que, tot i que ens diuen arquitectes "estrelles", no insistim en un estil determinat ni en un enfocament dogmàtic, sinó el contrari: sempre busquem un nou angle de vista sobre cada situació. Gràcies a una feliç coincidència, durant molts anys Mikhail Piotrovsky i jo vam tenir interessants converses sobre com podem dissenyar nous museus, de manera única i convincent. Per tant, les coses s’han anat ajuntant des de fa molt de temps, però ara estem molt ocupats treballant en dos meravellosos projectes a Moscou i ens sentim afalagats per això.
Com se sent sobre els concursos, sobretot els grans internacionals, com el recent del projecte del museu Guggenheim a Hèlsinki? Els concursos enriqueixen la cultura arquitectònica o els arquitectes només hi perden el temps?
- Els concursos d’arquitectura com a idea són molt importants i útils per a la nostra professió. Jo mateix, juntament amb Liz-Anne Couture, vaig guanyar la nostra primera competició quan només tenia 27 anys. El projecte es deia Los Angeles Gateway i era una competició internacional. La missió era crear un monument commemoratiu per a un nou monument que commemorés la immigració nord-americana del Pacífic. Això va ser molt important per a la nostra carrera i per a la fundació de la nostra oficina, Asymptote. Per tant, crec que els concursos són realment molt importants, sobretot per als joves arquitectes. D’altra banda, les licitacions actuals semblen ser cada vegada més operatives. Em sembla que els "clients" (com en dieu clients aquí) organitzen cada vegada més concursos només per obtenir idees econòmiques, si no de franc. Sí, podem dir que els arquitectes som una mica masoquistes, ja que participem en aquests concursos, fins i tot si sabem que el possible resultat és només una pèrdua de temps i diners. Nosaltres mateixos hem invertit una gran quantitat de temps, energia i recursos en competicions, però, malgrat tot, continuem participant-hi avui: aquest és un aspecte estrany de la nostra professió. En els darrers anys, es pot veure encara més abús en aquest sistema d’utilitzar arquitectes per “estudiar” un problema o un projecte “possible”: sento un augment d’aquesta explotació d’una idea competitiva, sense que els arquitectes participants quedin sense res. Això es pot deure, en part, a la difusió molt ràpida i superficial d’imatges i imatges per Internet a costa de perdre un nivell més profund de discussió.
Recentment vam participar en una important i important competició a Nova York i, per boig que sembli, el client va decidir finalment no convidar cap dels 14 arquitectes i consorcis de construcció destacats que van participar en aquest procés de molts mesos. explicació, va escollir un arquitecte que no participava en absolut al concurs. Crec que aquest és un exemple d’abús que té un efecte molt negatiu sobre la nostra professió.
Concretament, la competició per al Museu Guggenheim d’Hèlsinki que heu mencionat va ser un altre exemple sorprenent del complet absurditat de l’estat actual del sistema de competència. Al final, el bé o el dolent que siguin els guanyadors (i crec que aquests guanyadors són bastant bons, per cert) no importa realment. Amb gairebé 2.000 projectes presentats al concurs, només cal pensar en l’esforç global que es va dur a terme per crear-los; és increïble pensar-hi i, al final, triar el millor projecte entre ells és com buscar una agulla al paller. Estic segur que hi va haver centenars d’obres provocatives i interessants que ni tan sols van arribar a la segona ronda, per no parlar dels llocs premiats.
Part del problema és que la pròpia comunitat arquitectònica no és capaç d’organitzar-se prou per exigir que tots els concursos tinguin un pagament adequat, s’estructurin i s’organitzin professionalment. Però, de nou, sempre hi ha un arquitecte en algun lloc que estigui disposat a treballar gratuïtament o, després d’haver abaratit el preu, passar per alt un company, per tant, al final, tots ho sentim.
Fa molt de temps que ensenyes molt a diferents universitats. El vostre mètode d’ensenyament ha canviat amb el pas del temps?
- Vaig començar a ensenyar de ben petit i, als 28 anys, ja era professor de la Universitat de Columbia a Nova York. Va ser abans d'Internet i els ordinadors i, en la seva major part, els meus estudiants van construir grans instal·lacions experimentals segons les meves instruccions. Més tard, el 1996, vaig cofundar els estudis de disseny sense paper a la Universitat de Columbia: era un programa ambiciós, vaig començar a ensenyar utilitzant només mitjans digitals i renunciant a paper, llapis i, essencialment, a totes les eines a les que estem tan acostumats en el moment en què va sorgir la professió. Va ser un moviment molt radical en un moment molt interessant. Amb el pas del temps, el meu mètode d’ensenyament va canviar: em vaig interessar més per la ciutat com a problema. Actualment, a la Universitat d’Arts Aplicades de Viena, dirigeixo el laboratori / branca d’aprenentatge Deep Futures. Allà, amb els meus estudiants, estudiem l’impacte de la tecnologia, les tendències socioeconòmiques, el medi ambient, la informàtica, la configuració digital, etc. pel futur de la nostra disciplina i ciutats. Per tant, el meu enfocament ha canviat amb el pas del temps a causa de la situació canviant amb les ciutats i la vida en general.
Quan vaig començar a ensenyar a finals dels anys vuitanta, hi havia una cultura arquitectònica molt forta, moltes bones crítiques, polèmiques i molta teoria per discutir i criticar. Al mateix temps, també hi havia opinions seques i conservadores, arquitectes i teòrics centrats en el passat, i aquesta combinació va donar lloc a una clara sensació que el pensament radical és realment necessari en l'arquitectura. En aquell moment ho vaig sentir de la mateixa manera que els dadaistes, constructivistes, futuristes i surrealistes del seu temps, quan el seu art contemporani els semblava retrògrad. A la dècada de 1990, hi va haver moments i tendències encara més "crítics" als quals s'havia d'oposar, principalment per l'aparició de la cultura corporativa a la nostra professió. La raó del canvi constant en l’ensenyament és que no teniu temps per mirar enrere, i això passa molt ràpidament avui, potser fins i tot massa ràpidament, de la mateixa manera que qualsevol posició radical queda absorbida per l’statu quo. Per tant, cal tenir molta cura constantment si es dedica a investigar i estudiar els límits de la nostra professió, com faig jo en la meva docència.
Ara mateix, potser m’interessa com definir l’arquitecte com una figura realment valuosa de la nostra societat, per “tornar” l’arquitecte a ser un valuós contribuent a pensar, imaginar i, el que és més important, crear les nostres ciutats, espais urbans i edificis. Podríem pensar que l’arquitecte continua sent important en aquesta fórmula, però en realitat hem perdut molt el terreny. Avui en dia, a l’hora de crear i donar forma al nostre entorn construït, el més freqüent és que economistes, polítics, tecnòlegs, inversors, “experts”, consultors, etc. formular polítiques i prendre decisions clau. Malauradament, l’arquitecte ha baixat per aquesta escala jeràrquica fins a una posició d’impotència creixent. Davant d’aquesta realitat, quan faig classes, faig la pregunta: com mantenim i actualitzem els coneixements i les habilitats necessàries per restaurar l’arquitecte com a actor clau en el procés social de configuració de l’entorn construït. La pregunta és: com ens convertirem, arquitectes, en actors importants i no només serem un "coexecutor" o només un consultor més entre molts altres.
Amb els meus estudiants i a la meva oficina, sovint faig servir el terme "enginyeria espacial" com a mitjà per fer front a aquest dilema i faig servir aquest terme per intentar definir quina és realment la nostra experiència. Al final, crec que la "espacialitat de l'enginyeria" és el centre del coneixement i les habilitats de l'arquitecte. Si s’ho pensa, hi ha artistes que treballen sense compromís en l’espai pur, aquest és el seu principal interès i preocupació; al costat oposat de l’espectre hi ha enginyers: constructors, dissenyadors, mecànics, especialistes en acústica i altres camps, tots. estan ocupats amb la realitat de donar vida al projecte. Segons la meva idea, els arquitectes es troben entre aquests dos extrems, al centre mateix. Amb tot això en ment, a Viena explorem la nostra disciplina des d’aquesta perspectiva, potser estranya, però important, on s’ha de modernitzar seriosament la idea d’un “arquitecte” per adoptar la posició d’aquesta experiència mediadora i solapada.
