Cansada de ser comissariada per crítics, teòrics i altres persones quasi arquitectòniques, la Biennal 10 anys després de Massimiliano Fuksas es va tornar a confiar en mans d'un arquitecte. Kazuyo Sejima és un famós arquitecte japonès, un dels fundadors de l’oficina d’arquitectura SANAA, autor dels edificis de diversos grans museus, inclòs el New Museum de Nova York, així com el Serpentine Gallery Pavilion 2009, guanyador del Premi d’Or del 2004 Lion, que va rebre el Premi Pritzker poc després del seu nomenament com a conservadora de la Biennal. També és la primera dona comissària de la història de l’exposició. Però el principal, segons el director de la biennal, Paolo Baratta, és que és una arquitecta en exercici. Sejima se'n fa ressò en el seu missatge curatorial, que comença amb "La Biennal del 2010 serà una reflexió sobre l'arquitectura".
En contrast amb el desconcertant lema "més enllà de construir" del seu predecessor, el comissari Aaron Betsky el 2008, que la meitat dels participants no podien entendre realment i l'altra meitat va ignorar-lo, Kazuyo Sejima va proposar aquest any un eslògan senzill i accessible: "La gent es troba en arquitectura "que no és particularment vinculant. És obvi que hi estan unides dues coses: l’arquitectura, a la qual, aparentment, la Biennal té intenció de tornar seriosament, i més a l’arquitectura una mena de nota sociològica subtil, per a un canvi. És impossible, al cap i a la fi, absolutitzar completament el tema principal de l’exposició; cal afegir-hi alguna cosa. Arquitectura per a alguna cosa, però estan construint, per exemple, perquè la gent s’hi trobi. A partir d’aquí hi ha un camí directe cap als edificis públics que tan bé adornen la cartera del comissari. A més del lema, Sejima va esbossar diversos significats addicionals: el focus de l’exposició és la reacció de l’arquitectura moderna als canvis provocats pel segle XXI, a la informatització i la globalització; els límits que l’arquitectura denota o esborra; i la qualitat de l'arquitectura construïda - afegeix Paolo Baratta al seu missatge. Així, després d'una llarga recerca de la veritat "al costat", la principal exposició arquitectònica del món (i la Biennal de Venècia, per descomptat, és tal) tornarà al seu tema principal, guiat per la mà d'una dona suau i discreta.. L’exposició curatorial compta amb un total de 48 participants, inclosos no només arquitectes, sinó també empreses d’enginyeria.
Respecte a la principal exposició curatorial, que a la Biennal sempre es realitza a l'edifici Corderie Arsenal, Sejima va declarar la llibertat dels participants, dient en el manifest que cada participant serà "el seu propi curador" dins del fragment "independent" de l'arsenal interior que se li assigna. La diversitat és millor que la voluntat unificadora, diu el comissari; en una paraula, fes el que vulguis … Completa llibertat; tot i que, passejant per l’exposició, enteneu que això no és del tot cert.
Un visitant que entra a la primera sala de la part curatorial de la Biennal és rebut per un cor de pedra gegant tallat per una destral de fusta; la destral, després d’un examen més detallat, resulta ser un refugi amb una xemeneia que puja, una metàfora de la tragèdia. del recent terratrèmol xilè (es pot trobar una història detallada sobre la recuperació després del desastre a l’exposició Arsenal espacial del pavelló xilè). Fa dos anys, l'exposició Arsenal va ser oberta per una divertida instal·lació de pel·lícules i vídeo; en contrast amb la seva memòria, el cor de la pedra és molt gran, aspre i seriós. Es tracta d’una mena d’objecte gegantí, al costat del qual et sents com a la cova d’un caníbal i et sintonitzes, inevitablement, seriosament. Els pilars de l’Arsenal comencen a semblar columnes d’una basílica romànica i, en general, la similitud d’aquest famós espai expositiu amb un temple s’agreuja d’alguna manera. És possible que això sigui el que es pretenia.
Immediatament darrere de la destral de pedra hi ha una sala de cinema compacta amb una pel·lícula de Wim Wenders, que es pot recórrer ràpidament per conèixer un tema encara més gran de l’Ensamble Studio i el seu cap Anton García-Abril. Travessant sota les files de columnes i bloquejant el camí recte, dues bigues en forma de gegant descansen a l’espai del vestíbul, de manera similar als rails i a jutjar pel seu color gris, molt probablement concret. Un feix gegantí es troba a l’altre i el seu extrem lliure descansa sobre un ressort tan alt com un home normal. La primavera, per descomptat, no admet res, els nens hi juguen, però sembla molt impressionant. Això no es pot anomenar "primavera"; i si a la primera sala l’escala de l’objecte escultòric col·locat corresponia a la mida de l’interior, aleshores aquest sembla ser massa gran fins i tot per a un interior d’arsenal, el supera i fins i tot el suprimeix una mica.
A partir d’un creixement tan progressiu, involuntàriament penses: Déu meu, què passarà després. Però després ens trobem en un núvol ("mida natural", tal com s’indica al manifest curatorial), construït conjuntament per l’arquitecte japonès Tetsuo Kondo i l’enginyer Matthias Schuler de l’empresa alemanya Transsolar, especialitzada en enginyeria del clima (coneixent els detalls de l’empresa), és fàcil endevinar per què el núvol; el control climàtic es va colar a l'Arsenal i va organitzar-hi el seu propi temps …). El vestíbul s’omple d’una boira blanquinosa, que s’instal·la a través dels forats de la paret mitjançant instal·lacions especials. La boira s’estén al nivell de les galeries i es construeix una estructura helicoïdal al mig, que puja pel qual es pot passar pel núvol i mirar-lo des de dalt. El núvol s’estén en trossos de capes, és tapat per sobre, com en un bany, però l’efecte és meravellós. És cert que els moscovites van experimentar un efecte similar recentment a l'agost amb l'arribada del fum a la ciutat; a l'Arsenal, però, aquest núvol és més espès, aparentment segur.
El comissari interpreta el treball conjunt del seu compatriota i d’un enginyer alemany de la següent manera: ens empeny a una nova comprensió de l’espai, encara que només sigui perquè els límits del núvol es difuminen. Els límits, de fet, són borrosos, tot i que estan tancats en el marc de la sala. Bussejar a la boira és divertit; però és impossible no recordar el que ja han fet els núvols: en primer lloc, els famosos arquitectes-artistes Elizabeth Diller i Ricardo Scofidio. Potser per això el comissari assenyala amb delicadesa al seu missatge: no totes les instal·lacions són originals quant a estil, però moltes representen el cim de la tecnologia moderna.
L’estudi indi Mumbai va fer el següent gran vestíbul amb retalls de models de fusta i va penjar els ventiladors clàssics de tres fulles del sostre, convertint-lo en un "taller". no sorgeix una il·lusió de bloqueigs artístics; va resultar, en comparació amb les primeres instal·lacions, petit, però acollidor.
R & Sie (n), la firma d’arquitectura parisenca François Roche i Stéphane Laveau, que van mostrar models blancs d’edificis d’escultures biòniques al Pavelló italià fa dos anys, van llançar una de les seves estrambòtiques criatures a la sala Arsenal, convertint-la en una taula cames. D’una banda, aquesta bèstia marciana està coberta de creixements de vidre, que brillen amb una llum verdosa, els brots brollen des de l’extrem oposat, al centre sobre un tros d’algun pseudo-mineral multicolor, un dispositiu similar al d’un comptador Geiger. En la explicació, els autors recorden el "Stalker" de Tarkovsky i parlen dels límits dels èxits de la civilització; probablement, aquesta instal·lació hauria de respondre a la tesi del comissari sobre els "límits". Perquè, a diferència dels seus veïns, no afecta de cap manera l’espai; més aviat, ens mostra un habitant exòtic que viu a l'interior.
Però el vestíbul d’Olafur Eliasson és molt eficaç: a la foscor, tres mànegues estan suspeses del sostre, que s’escampen al voltant dels fantàstics raigs d’aigua que es distingeixen en els llamps nerviosos de la llum estroboscòpica. La dutxa exòtica és fascinant, però difícil de fotografiar. He de dir que les paraules de Sejima segons les quals moltes imatges no seran noves són honestament certes; Eliasson va fer la primera dutxa similar el 1996.
A més, de nou, clar, un marc de fusta d'una cúpula plana d'una oficina xinesa amb el nom francès Amator (que significa amateur). De fet, era com si els aficionats estiguessin torçant aquests encunyats junts amb parabolts; però la pròpia capacitat de creuar la frontera de la cúpula on sol ser impossible creuar-la i literalment "entrar a la cúpula" és força curiosa (de nou, fronteres).
A aquesta línia, hem d'afegir el Jeanette Cardiff Music Hall, on els altaveus es col·loquen en cercle i al centre hi ha cadires per escoltar la música resultant (volumètrica? Arquitectònica?). I el kit estarà complet. Aquí hi ha només un conjunt de què?
L’arquitectura que hi havia promesa, a simple vista, sembla que no és suficient. És a dir, es troben dissenys i tauletes tradicionals en una seqüència comuna: el més notable per a l’ull rus és el projecte de competició de l’edifici del Museu Perm de Valerio Oljati, el més notable per a la vista en general és l’ thepera de Taichung projecte de Toyo Ito. Aquest edifici, que sembla un petit fragment esculpit en un gran túmul de tèrmits (la Xina, al cap i a la fi), es presenta amb un detall minuciós i es subministra amb la documentació completa situada sobre les taules en forma de gruixuts àlbums en la llengua de l’autor. Però el projecte mostrat amb aquest detall és una excepció i, possiblement, una conseqüència de la llibertat declarada pel comissari. L'exposició de l'Arsenal està formada per instal·lacions, a més, no sempre fetes per arquitectes, sinó, com veiem, per enginyers i, més sovint, per artistes que treballen professionalment i bé en aquest gènere. Per exemple, Olafur Eliasson: a la seva cartera hi ha moltes instal·lacions bones i diferents, generalment a gran escala (per cert, hi ha diversos "núvols", Dealer i Scofidio no són els únics en aquest gènere). Matthias Schuler és enginyer. És a dir, l’exposició curatorial a l’Arsenal no s’ha convertit en cap cas en una exposició d’arquitectes.
Això no vol dir que no hi hagi arquitectura. Em sembla que, en ser l’autor d’espais museístics, Kazuo Sejima va convertir tota l’exposició en arquitectura en el seu conjunt: no la va dissenyar com a dissenyadora ni tan sols la va compondre com a comissària, sinó que la va construir, combinant la majoria de les instal·lacions en una cadena en què cada participant ofereix la seva pròpia manera de comprendre artísticament l’espai de l’Arsenal. Així, el propi Arsenal es va convertir en l'exposició principal. I he de dir que l’actitud davant d’aquest espai expositiu és paradoxal: a tothom li agrada molt, però organitzant-hi exposicions, hi presten poca atenció, simplement col·locant alguna cosa dins. L’Arsenal probablement s’ofèn amb aquest desdeny, es veu ombrívol i pressiona l’audiència amb escala. Però és bo en si mateix i és agradable que el nou comissari se n’adonés.
En aquest cas, l’exposició curatorial no exhibeix tant arquitectura com ella mateixa. I el pas per l’exposició no esdevé lectura, no contemplació i no mirada, sinó immersió en l’arquitectura (tan immersa en una llengua estrangera). I els participants de l'exposició, artistes i enginyers "suposadament lliures", es van convertir per a Sejima en el mitjà de comprensió arquitectònica de l'espai de l'Arsenal. Cosa que, per cert, és cert si recordem que l’arquitectura és l’art principal i que la resta l’obeeix. Aquí hi ha un comissari de SANAA i els va sotmetre a tots, però de manera molt discreta. No va organitzar l'exposició a l'interior, sinó que va omplir l'espai de contingut. L'interior de l'Arsenal, com si la correspongués, es va unir al paper de la "mostra principal" i es va fer més agradable. En qualsevol cas, ara vull mirar-ho i el llarg pas per l'Arsenal aquesta vegada no és tan cansat com fa dos anys.
Potser això es deu al fet que té molts buits i poc contingut: una forma sòlida, i fins i tot aquella ingravesa, el sintoisme japonès: llum, foscor (entrellaçades a l'interior com el yin i el yang), pedra, núvol, aigua, so … Probablement fins i tot es pot dir que Sejima va organitzar diverses reproduccions d’instal·lacions ja conegudes a l’Arsenal, utilitzant-les com a mitjà perquè un arquitecte treballés amb elements esquius, per capturar les coses esquives, enlluernadores i ombres, coses en què la cultura japonesa és tan forta. fort. Val la pena experimentar-ho a l’Arsenal.
Com a peça sencera i una reflexió sobre els elements principals, l’exposició té una bona acollida. Les paraules, però, falten una mica; n’hi ha de claus, com l’espai i la frontera, de les quals Sejima parla constantment, fins i tot a la roda de premsa d’ahir. La resta de paraules es recullen en "llocs estrictament designats"; L'Arsenal disposa d'una sala d'entrevistes plena de cadires i monitors amb auriculars: els amants de les paraules hi poden parlar durant molt de temps, la llista de ponents ocupa tota una paret.
En resum, l’exposició curatorial a l’Arsenal sembla encertada a percebre-la com una altra obra arquitectònica de SANAA.
En cas contrari, l'estructura de l'exposició, familiar per a molts, s'ha mantingut inalterada. Exposició curatorial a l'Arsenal, a l'antic "pavelló d'Itàlia", rebatejat amb el nom de Palazzo Espozicione (Palau de les Exposicions); exposicions de pavellons nacionals a Giardini i un "programa paral·lel" a la ciutat. L’actual Biennal és fins a cert punt un jubileu: han passat 35 anys des de la primera exposició d’arquitectura del cicle de la Biennal de Venècia. D’aquí els esdeveniments d’aniversari i els records de les biennals passades. Al Column Hall del Palazzo Justinian (el palau on es troba la seu del comitè organitzador de la Biennal), es va inaugurar ahir una exposició sobre la història dels darrers 11 anys de la Biennal de Venècia, una mena d’informe sobre els èxits de l'economia expositiva veneciana; també acull l'exposició LUMA, presentant el "programa d'arquitectura de Frank Gehry per a un nou model cultural".
Una altra part del programa d'aniversari de la Biennal serà "Dissabtes arquitectònics", com diu la nota de premsa dels organitzadors, durant dissabte durant tres mesos a Venècia hi haurà reunions amb importants figures de les exposicions passades, inclosos els comissaris de les anteriors Biennals Vittorio Gregotti (Vittorio Gregotti, 1975 1976, 1978), Paolo Portoghesi (1980, 1982, 1992), Francesco Dal Co (1988, 1991), Hans Hollein (1996), Massimiliano Fuksas (2000), Dian Sudjic (2002), Kurt W. Forster (2004), Richard Burdett (2006), Aaron Betsky (2008).
Tenim previst publicar informes més detallats sobre les exposicions i esdeveniments de la Biennal. L’exposició s’allargarà fins al 21 de novembre.
