Un arquitecte i artista no necessita una introducció especial, ni tan sols per al públic europeu. És un dels arquitectes russos més famosos a l'estranger. El 2006, les seves obres van representar Rússia a la Biennal de Venècia i ara es conserven a les col·leccions d’alguns dels museus més importants del món: el German Museum of Architecture (Frankfurt), el MOMA Museum of Contemporary Art (Nova York)), la a. A. V. Shchusev. A Europa, Brodsky és conegut principalment pels seus projectes "en paper": nombrosos conceptes creats juntament amb Ilya Utkin per a concursos d'arquitectura japonesos. Les obres "en solitari" de Brodsky -instal·lacions a la frontera entre l'arquitectura i l'art contemporani, així com diversos objectes realitzats de petites formes- interiors, restaurants, pavellons conceptuals, també són coneguts a Occident.
Les obres seleccionades per a la mostra cobreixen el període dels darrers trenta anys i donen una idea de les diverses tècniques en què treballa l'arquitecte. A la sala de la primera planta d’exposicions del museu: les obres de Brodsky en d’altres de més tradicionals. Es tracta d’un dibuix a llapis, gravat i serigrafia. Un pis a sobre: noves obres creades especialment per a aquesta exposició: "gràfics" de fang i dibuixos amb tinta al feltre del sostre.
Malgrat la varietat de tècniques, tota l’exposició sembla una afirmació única dissenyada per familiaritzar els visitants amb els principals temes i motius de l’obra de l’arquitecte. Al centre de la poètica de Brodsky hi ha mons convencionals fantasmagòrics, presentats, si parlem amb un cert grau de convenció, a l’estil de la presentació arquitectònica clàssica: façana, secció, perspectiva, visió general. L’artista se centra en composicions fora del temps, més exactament, després de temps, rastre deixat per la gent i la història.
A les sales de cambra o, com prefereixen anomenar-los el personal del museu, les "oficines" del pis inferior són obres dels anys vuitanta - principis dels anys 2000. Aquí Brodsky és el successor del piranesianisme amb la seva monumentalitat i fantasmagoricitat, però, la seva mirada és sempre la mirada d’un postmodernista amb una ironia característica, estratificació de significats i obertura a diverses interpretacions. Un dels temes és la unitat del caos i la bellesa clàssica, l’entropia postmoderna i les imatges renaixentistes. La seva expressió es troba tant en perspectives fractals caòtiques amb la introducció d’elements primaris arquitectònics (piràmides) com en l’aparició d’un pèndol oscil·lant sota una composició clàssica fractal i en un caos industrial inscrit a l’espai de la cúpula en una secció longitudinal, instal·lat al fonamentació al costat d’una canonada industrial. L’estètica renaixentista i el motiu del carnaval venecià es poden escoltar en els retrats al·legòrics d’un determinat personatge convencional. En un d’ells, com si donés una pista al públic, Brodsky l’anomena arquitecte. La resta de retrats al·legòrics recorden tant als herois dels misteris medievals com a l’ambient “carnavalitzat” de la comèdia Del Arte i són, entre altres coses, una paràfrasi de les famoses al·legories dels elements primaris de Giuseppe Arcimboldo, a qui els surrealistes el consideraven un dels seus predecessors. En lloc d’elements primaris naturals, Brodsky té elements arquitectònics (una ciutat ideal posseïda per un arquitecte, la Torre de Babel erigida sobre els caps de personatges) i l’estètica del surrealisme és una de les claus de la immersió en els seus mons.
Els paisatges industrials de Brodsky estan impregnats de la mateixa estètica. Aquestes obres són una immersió en el món introspectiu del subconscient, en què es tallen les connexions lògiques (o, més exactament, semblen tallades), i el món del qual s’elimina una persona es converteix en l’heroi. El mateix tema constant amb el qual treballa Brodsky: un home era aquí i deixava rastres.
La majoria de les exposicions van quedar "Sense títol". Per tant, l’espectador queda privat d’indicacions textuals, tan acceptades en l’art modern. Per descomptat, l’espectador ideal de Brodsky és un experimentat erudit en història i art visual, capaç de comptar capes de significats donats, captar la ironia postmoderna de l’artista, mentre que un espectador menys sofisticat pot experimentar una lleugera sensació de malestar, sent llançat al món fora del món. relacions causals habituals. Dos tipus d’espectador: dos tipus de lectura i les interpretacions de l’espectador no ideal poden ser molt més emocionals i conduir a un flux més lliure d’associacions.
Una de les obres més pròximes a la il·lustració de llibres a l’exposició, "Un lloc de prosperitat comuna" (1998), és una salutació directa a les imatges del Panteó Piranesi, passades pel subconscient metafòric de l’autor, i una al·lusió al solemnement sublim. designacions d'objectes d'infraestructura urbana adoptats a l'URSS el 1960 -x: biblioteca - "Temple del Coneixement", i, per exemple, cinema - "Temple dels Espectacles". Aquí Brodsky utilitza la tècnica de la "metàfora realitzada". Davant nostre, de fet, hi ha el temple i el prototip de tots els temples, però el maletí condicional del dibuix dóna a conèixer a un ciutadà soviètic condicional, representat amb l’aparença d’una criatura mítica amb cua de gos, que va entrar al "Temple del benestar general". "per beure un got de cervesa.
En el mateix espai, també es presenten esbossos a llapis de façanes arquitectòniques condicionades i diversos objectes. L’estètica del surrealisme també s’endevina fàcilment, i un dels objectes més misteriosos representats és, potser, una mena de paràfrasi de l’obra més citada de René Magritte.
L'exposició està organitzada de manera que els esbossos a llapis resultin ser esbossos per a objectes d'art de Brodsky, presentats al pis de dalt. Es tracta d’obres del 2014, la majoria creades específicament per a l’exposició al Museu Tchoban. Les façanes realitzades amb la tècnica de "gràfics de fang" de l'autor únic fan referència tant al monumentalisme de l'estil de l'Imperi stalinista com al castell kafkian, inabastable en el marc de la lògica humana. Heus aquí la continuació del tema principal de Brodsky: les empremtes deixades pel temps. La clau per a la interpretació d’aquestes obres i, de fet, la clau de l’exposició en el seu conjunt, són dos objectes fets amb tinta negra sobre un feltre de sostre de l’edifici i semblants a un mapa i un model axonomètric d’un jaciment arqueològic condicional. Les façanes d’argila esquitxades d’esquerdes no són, per tant, res més que artefactes d’argila del passat. No estava exempta d’ironia en l’esperit del postmodernisme: la construcció de feltre per a sostres és un material popular en la construcció de dacha soviètica.
En aquest sentit, és interessant recordar els projectes implementats de l'arquitecte Brodsky. No estan representats a l'exposició, però tots estan de la mateixa manera subordinats a la idea de concentrar-se en els rastres deixats pels seus predecessors. Ja sigui el Pavelló per a cerimònies de vodka, construït per al festival Art-Klyazma, la Rotonda de Nikola-Lenivets o el restaurant Prichal 95 * a prop de Moscou, tots van ser construïts amb els dissenys d’altres objectes que antigament van existir: marcs de finestres, portes, taulers.
Cal destacar que l’exposició d’Alexander Brodsky a Berlín va coincidir amb una altra exposició de dibuix arquitectònic al Museu Martin-Groppius-Bau: "VKHUTEMAS - el laboratori rus de la modernitat" (vàlid fins al 6 d’abril), presentant dibuixos utòpics dels estudiants del VKHUTEMAS dels anys vint. Els projectes utòpics soviètics dels anys vint i els dissenys de paper dels anys vuitanta són els dos principals fenòmens del disseny de paper del segle XX procedents de Rússia. En les condicions de la crisi econòmica que creix ràpidament i del monopoli dels grans tallers arquitectònics sobre el disseny de gairebé tots els objectes més significatius, és inevitable una nova ronda de disseny sobre la taula. Potser els dibuixos arquitectònics i els projectes conceptuals de la segona meitat de la dècada de 2010 poden convertir-se algun dia en la base de futures exposicions museístiques.
L’exposició està oberta fins al 5 de juny de 2015.
