Un dels eixos motius de la XIII Biennal d’Arquitectura de Venècia, que s’allargarà fins al 25 de novembre d’aquest any, és la síntesi d’arts. El comissari David Chipperfield va suggerir no percebre l'arquitectura de forma aïllada, fora de context. Va suggerir tenir en compte la participació de l'arquitectura en el procés real de la vida, en la comunicació amb diversos temes socials, polítics, econòmics, i amb altres tipus d'art.
Els artistes i arquitectes de Moscou Alexander Ponomarev, Alexey Kozyr, Ilya Babak i Sergey Shestakov van jugar la manera més sofisticada i elegant de comunicar l'arquitectura amb diverses arts a l'exposició del pavelló nacional d'Ucraïna, que van crear, situat a l'Arsenal venecià. L'exposició titulada "L'arquitectura dels miratges" va comptar amb el suport de la Joint Transportation Company, VIART-GROUP i la companyia Kirill.
El tema de "l'arquitectura dels miratges" pressuposa la imatge del territori fronterer, un equilibri suau a la vora: somni i realitat, il·lusionant i real. Aquest tema ofereix una excel·lent raó per mostrar l'arquitectura en una modalitat no arquitectònica: el fantasma i el reflex d'altres tipus de creativitat: escultura, pintura, videoart. La condició per a la síntesi de totes aquestes arts a l’exposició era l’art del teatre.
La mateixa exposició amb pantalles de llum fina, pantalles amb imatges meditatives, objectes misteriosos immersos en flascons amb aigua, gràfics virtuosos a sobre de mapes geogràfics es va associar a una mena d’acció misteriosa, el significat de la qual s’ha de resoldre durant molt de temps i sense enrenou.
El lema de l'exposició del pavelló pot ser la paraula de l'antic historiador Filostrat el Jove que l'art és "la capacitat de fer visible l'invisible". En altres paraules, parlem del paper principal del que s’anomena imaginació tant en la creació d’una imatge com en la seva percepció. Ell i només ell poden proporcionar una comprensió del món en la seva dimensió artística.
Els arquitectes i artistes del pavelló van proposar fer dos projectes a partir d’una sèrie d’anomenats museus mòbils: el Personal Art Museum i el Museum of Modern Art.
La imatge dels museus es va inspirar en l’estada d’Alexander Ponomarev i Sergey Shestakov a l’estació d’investigació ucraïnesa “Vernadsky” de l’Antàrtida. Els artistes hi treballaven. La documentació de l'obra de Sergey Shestakov es presenta a una sala final de l'exposició. Cal entrar-hi, descalçant-se les sabates. Se us ofereix estirar-se als coixins, mirar el sostre a les fosques. Però primer poseu-vos ulleres estèreo. De sobte, tot canvia, les imatges clares comencen a aparèixer al sostre i et trobes en moviment per un paisatge de bellesa fantàstica. Quan les brillants bombolles que us esquitxen directament a la cara, us adoneu que el tir és submarí. I el blanc, com una substància viva i que respira, que doblegueu al voltant del qual toqueu en el vostre moviment, no és més que blocs de gel immersos a la columna d’aigua, icebergs. Aquest viatge tracta pràcticament de la realitat de l’irreal, de la frontera com a tal.
Durant l'expedició a l'Antàrtida, tant Shestakov com Ponomarev van quedar captivats per la bellesa dels fenòmens naturals més romàntics: miratges que van sorgir a l'horitzó marí transparent. Ara tothom entén la naturalesa d’aquest fenomen, la dependència de processos físics racionalment explicables. Tanmateix, aquesta és la singularitat dels miratges, que amb la rígida determinació física de la "construcció" de la imatge (influència de la reunió de diferents capes de l'atmosfera, diferents temperatures, refracció, refracció de la llum, etc.), per si mateix ens proporciona un espectacle absolutament metafísic, no provocat per cap explicació pragmàtica. Es tracta d’un art realment pur, teixit en espècie. No en va els millors escriptors es van inspirar en les imatges dels miratges i els van introduir en les seves obres.
Els miratges mateixos s’han convertit en el tema de bells remolins i scherzo gràfics d’Alexander Ponomarev. I l’arquitectura dels museus dedicats a ells es capta en fràgils maquetes que suren a l’aigua i a la pantalla d’una pel·lícula en 3D realitzada excel·lentment.
El museu personal consisteix en tres cubs mòbils flotants interconnectats, que s’eleven alternativament per sobre de l’aigua i passen per sota. Les façanes d’aquests cubs estan formades per diferents consistències H2O: aigua, vapor i gel, respectivament. Les sales d’exposicions es troben a l’interior dels cubs.
Se suposa que el museu d’art personal s’ha fet amb un estil minimalista i es posa a l’oceà per navegar per les seves aigües de desembre a març. La mateixa imatge d’aquest museu flotant es pot interpretar de dues maneres. El primer està relacionat amb la idea dels submòbils, estimada per l’artista Ponomarev: estructures que suren espontàniament i se submergeixen a l’aigua, donant la felicitat d’observar canvis sobtats en el medi natural. L’artista porta molts anys implementant aquesta idea. Podeu recordar els seus famosos submarins quan apareixen a diferents parts del món, des de Moscou fins a París. També podeu recordar l'exposició "Memòria de l'aigua", que es va celebrar al Museu de Ciència i Tecnologia de París el 2002. Aleshores, quaranta submòbils que es capbussaven dins de columnes de vidre van crear una composició arquitectònica que recordava l'illa parisenca de Cité. I el Manhattan de Nova York es va enfonsar de la sorra a l’aigua i va surar en columnes de cristall del projecte Surface Tension (galeria Cueto Project, Nova York, 2008).
En el cas dels tres cubs-salons del Museu Personal, l’espectador té l’oportunitat d’experimentar personalment les metamorfosis que es produeixen amb la percepció de l’art en diferents entorns: a les profunditats de l’oceà, a la superfície, als braços de gel, vapor, aigua, és a dir, de nou, és difícil entendre el tema "landland". En estar en moviment constant de l’entorn natural, l’espectador concentra al màxim les seves pròpies habilitats creatives de la imaginació. I l’art exposat a les sales del cub l’afecta amb una potència de deu vegades.
El segon aspecte de la interpretació del Museu Personal està relacionat amb el tema del miratge mateix. Quan els espectadors veuen el museu a l’horitzó, els apareixerà com un miratge perfecte. I, el que és més interessant, es correlaciona amb el disseny avantguardista. A jutjar per les fotografies documentals presentades, sobre els miratges observats per Ponomarev i Xestakov, em vénen al cap els projectes que van néixer al laboratori de l'avantguarda russa, als tallers de l'Institut de Cultura Artística (INHUK) de principis dels anys vint.. Va ser llavors quan els joves mestres (Rodchenko, Stenberg, Medunetsky, Ioganson) creen construccions espacials com a manifestació de la pura forma d’enginyeria.
És important recordar aquí que les construccions espacials dels artistes avantguardistes russos (K. Medunetsky, germans V. i G. Stenberg) van funcionar com a mòduls ideals per a "sondar" les forces de la gravetat natural. Les plaques primes, els llistons i els discs van crear la il·lusió d’un transformador d’auto-construcció. En una transformació eterna i al mateix temps en la seva precisa enginyeria (l'objecte en cap cas hauria de caure en trossos, ni visualment ni físicament), van anticipar els experiments dels grans mestres del segle XX, els "mòbils" d'Alexander Calder, per exemple. Al mateix temps, tant els objectes dinàmics dels artistes d’avantguarda, percebuts en moviment, com la imatge dinàmica del Museu Personal, testimonien la seva implicació en la imatge de la il·lusió. Es tracta d’una arquitectura que pren les lliçons de la imaginació de la mateixa naturalesa.
El segon objecte d '"Mirage Architecture" és el Museu d'Art Contemporani de l'Antàrtida. La seva imatge també s’associa amb les avantguardes russes, només amb els projectes experimentals més radicals. Així explica com l'artista Ponomarev va parlar del museu: “El museu sembla un vaixell sense autopropulsió de 100 metres i un mòdul residencial. A la coberta es munta una estructura arquitectònica: un hotel i sales d’exposicions. Quan el vaixell arriba al lloc, redistribuint el llast, es queda dret com una carrossa. A la part superior hi ha hotels, sota l’aigua: un museu. Els vaixells de vapor atraquen al vaixell, la gent registra a un hotel, admira els icebergs flotants … Després seuen en un vaixell amb càmera, baixen i es troben al Museu d’Art Modern. Quan la navegació acaba i el gel arriba a les regions polars, la nau s’arrossega cap al sud ".
Si busquem paral·lelismes amb aquesta arquitectura en el gran passat avantguardista, ens ve al cap la imatge més fantàstica: "La ciutat voladora" de Georgy Krutikov. L'arquitecte el va defensar com a diploma el 1928 a l'escola de Nikolai Ladovsky a VKHUTEMAS-VKHUTEIN. El projecte d '"arquitectura mòbil" de Krutikov preveia la creació d'edificis amb l'ajut de l'energia atòmica, penjats verticalment sobre el terra, reunits a semblança de cilindres enormes. La comunicació entre ells i el terreny, que, segons l’arquitecte, es va alliberar per treballar i descansar, també es realitzaria amb l’ajut de “batiscafes voladors”: cabines capaces de moure’s a l’aire, a la terra, a l’aigua i sota l'aigua. A més, la cabina també podria ser una cel·la viva. Per cert, Georgy Krutikov va ser immediatament anomenat "Jules-Verne soviètic". El Museu d’Art Contemporani de l’Antàrtida acosta el projecte de Krutikov no només a poderosos desafiaments tècnics, sinó també al fet de reconèixer el poder i l’audàcia de la imaginació creativa. En principi, tant el Museu de l'Antàrtida com la "Ciutat voladora" de Krutikov també són avui una forma pura i desinteressada de comunicació amb la natura i el món. Miratge pur!
Però, què passa amb l’art, que es troba literalment a l’aigua i que només es pot veure des del batiscaf? Per a la seva instal·lació s’utilitza un sistema d’estructures modulars complexes i marcs de càpsules impermeables a l’aigua. Algú trobarà excessiu mirar les obres a través de la columna d’aigua. Tot i això, els autors del projecte no temen gens aquest radicalisme visual. És que en diferents entorns naturals neix una percepció emocional diferent de l’objecte d’art, la seva comprensió creativa. A més, hi ha artistes que, amb la seva obra, han demostrat la probabilitat i el caràcter orgànic d’aquesta visió. És pertinent recordar, per exemple, Bill Viola, en les instal·lacions de vídeo de les quals l’element de l’aigua té un paper essencialment simple i arquetípic a nivell bíblic. En moltes de les seves obres, contemplem el món precisament a través del gruix del corrent d’aigua. Així doncs, la trobada entre l’artista i el seu públic al nou museu de carrosses continua sent el més possible.
La trobada d’espectadors de Moscou amb l’exposició “L’arquitectura dels miratges” promet tenir lloc ben aviat. Museu d’Arquitectura que porta el nom d’AV. Shchuseva té previst portar l'exposició a la seva sala "Ruïnes dependents".
