Al llarg de la història mil·lenària del treball museístic a la península de l'Apení, no només s'han acumulat volums colossals de material, sinó que també s'ha format una cultura específica de la seva presentació. A més, el valor artístic immediat de l’exposició esdevé un concepte ambigu, de vegades més important és la idea que l’uneix i la complexitat resultant de l’exposició. Per exemple, l’exposició realitzada fa sis mesos pel gran artista venecià del Renaixement Giovanni Bellini, en primer lloc, va colpejar amb les portes de l’altar recentment combinades, generalment emmagatzemades a diferents museus a milers de quilòmetres entre si, o amb taulers de col·leccions privades. portat de l’interior americà. L'exposició "Giotto i Trecento" va reunir un nombre colossal de mestres italians de Milà a Nàpols i els seus contemporanis francesos de diverses qualitats, d'una manera o altra van influir o influenciar l'innovador toscà.
L’exposició de Siena reunida sota un títol comú, manllevat del romanticisme, no només exposicions de diferents països, obres d’èpoques diferents, material de diferents propietats, sinó també artistes de diversos graus de seny mental, alguns dels quals generalment estan indirectament relacionats amb l’art.. Aquí, per descomptat, el servei és més important i, en major mesura, el que serveix: el comissari Vittorio Sgarbi. Polític i historiador de l'art, conegut per l'ús de mètodes polítics en la crítica d'art: la substitució de conceptes i provocacions. Participant actiu de les protestes estudiantils el 1968, candidat a l'alcaldia de Pesaro del Partit Comunista el 1990, fundador del moviment Liberal Sgarbi el 1999, aliat de Silvio Berlusconi, gràcies al qual es va convertir en secretari del Ministeri de Cultura el 2001. Paral·lelament, escriu llibres sobre mestres i obres de totes les èpoques i produeix vídeos sobre la història de l’art. Una combinació específica de l’italià.
Al cap i a la fi, un museu aquí no només és un espai d’exposició i una exposició no és només un esdeveniment cultural. Aquesta és una expressió de l’esperit de l’època: des de la passió pel col·leccionisme entre famílies aristocràtiques i la dependència directament proporcional de la riquesa de les col·leccions de la influència del propietari, fins al futurisme, que suggeria que els museus serien destruïts, i al mateix temps el temps va reconstruir la societat (els futuristes són gairebé l'únic partit artístic i polític de la història: Marinetti era amic de Mussolini i estava orgullós que algunes de les idees polítiques del feixisme les proposés). Un esdeveniment museístic sempre és un espectacle, amb teatralitat inherent a tota la vida italiana: el xoc, la ciència, la política, la intriga s’hi relacionen estretament. És alhora superficial i profund, parla del momentani i de l’etern, divertit i fa plorar. I sempre requereix escenografia: arquitectura.
L'exposició "Art, geni, bogeria" va presentar en deu sales temàtiques el vessant confús i controvertit de la creació artística. L’exposició és conceptual (encara és impossible anomenar-la temàtica, ja que el tema s’interpreta de manera molt àmplia i no sempre literal), el material és específic i heterogeni (des de les obres de Van Gogh fins a les obres dels pacients del mental de Siena hospital), els especialistes implicats provenen d’àmbits professionals molt diferents (artistes, historiadors de l’art, psiquiatres). Les sales del Palazzo Squarchalupi van quedar plenes de taulers de composicions d’altar del segle XV a l’estil de Bosch, petites composicions de gènere que representaven el tractament de la bogeria al segle XVII, llenços i fulls gràfics de Van Gogh, Munch, Kirchner, Otto Dix i Max Ernst, treballs d'artistes contemporanis sota la supervisió de metges, un perfil que correspon a la idea de l'exposició, així com la roba dels pacients i l'equipament mèdic dels hospitals psiquiàtrics dels darrers segles. En aquestes condicions, el disseny juga un dels papers principals, si no el primer, és a dir, clarifica el concepte, aguditza els accents, uneix materials de diferents èpoques i qualitat diferent, que apareixen sota el mateix sostre i a les mateixes parets a instàncies. de l '"autor" de l'exposició.
Es distribueixen a les sales respectives 10 temes suggerits pel comissari, 10 interpretacions i enfocaments diferents per a la interpretació del fenomen de la bogeria. Una visió polifacètica exigia un material diferent, de vegades difícil d’acord. L’organització de l’exposició salva el problema de la vulgarització, en què els objectes heterogenis es sistematitzen i decoren adequadament i s’interpreten els espais d’exposició d’acord amb els temes que s’hi haurien d’haver presentat.
L'espectador s'introdueix gradualment en el tema: darrere del vestíbul amb l'escultura italiana del segle XX, que serveix de mena de preàmbul, segueix la part històrica de l'exposició, situada en un llarg passadís i formada per obres d'art. des de principis del segle XVI fins al XVIII, representant imatges de bojos en aquesta època i història, estudiant el tema, així com a partir de models anatòmics del cervell i camises de força vintage. Aquests darrers, situats en un context "artístic" i elegantment integrats a l'exposició, sense perdre el seu caràcter "cognitiu", semblen al mateix temps que algun tipus d'objectes d'art.
A més, un estudi retrospectiu del fenomen, acompanyat del treball de pacients d’hospitals d’aquest perfil, que representa la seva vida quotidiana hospitalària (Cesare Lombroso, París Morgiani), està connectat a la “principal exposició” dividida en pisos per una escala, a el peu del qual hi ha un pou d’exposició per al relleu del mestre sienès marginal Filippo Dobrilla, el nostre contemporani. La part històrica acaba amb una sala de retrats-personatges de l’escultor Franz Messerschmidt del segle XVIII, que en els darrers anys de la seva vida va resultar danyat per la raó, però que va conservar l’enginyosa capacitat de reproduir el cos humà.
A continuació, l’exposició es divideix en sales que representen diversos aspectes de la relació entre art i bogeria. Van Gogh, Kirchner, Strindberg i Munch estan units com a artistes que van treballar durant l’època de Nietzsche (l’actitud del qual sobre el tema és molt directa), així com herois constants de la investigació sobre el tema indicat al títol de l’exposició. El saló "General Madness: War through the Eyes of Artists", d'una banda, presenta una altra versió de la bogeria, de l'altra, un problema important en la història de l'art del segle XX. Aquests són els artistes per als quals la guerra s’ha convertit en el fil conductor de la creativitat, el tema que glorificava aquests mestres: Renato Guttuso, Mario Mafai, Georg Gross, Otto Dix.
Les sales on s’allotgen les obres dels mateixos bojos contenen obres de la col·lecció del psiquiatre Hans Prinzhorn de Heidelberg, del Museu Art Brut de Lausana, així com els fruits de la creativitat dels pacients de manicomis italians, sistematitzats segons una principi monogràfic. Obres d’Antonio Ligabue, una mena de primitius que recorden a Henri Rousseau, composicions gràfiques de Carlo Dzinelli, increïbles en la seva composició i estructura de colors: aquests són alguns exemples dels anomenats. els forasters de l’art, fa temps que es van convertir en col·leccionables. L’últim tema és el saló d’artistes que treballen amb un estil que limita amb la bogeria, anomenat "La clara bogeria del segle XX": hi ha obres surrealistes i una exposició de l'accionisme vienès, que, en general, ha absorbit els elements de tot el de sobre. El pavelló 10 és una mena de quinta essència de tot el que es veu, no a nivell de qualitat artística, sinó a nivell d’idees. En qualsevol cas, el treball dels bojos és més harmoniós que els sagnants cossos dels membres del grup vienès. I en aquesta etapa, l’espectador, després d’haver vist més de 400 exposicions sobre el tema dels trastorns mentals, entén que l’exposició no dóna resposta a on és el geni i on és la bogeria, i no intenta donar, sinó que també planteja preguntes sobre el criteri de "normalitat" i sobre la relativitat en general.
Un intent, potser, no de resoldre el problema, sinó de posar-ho tot en un sol sistema, assumeix el disseny de l’exposició. En l'arquitectura de l'exposició, la normalitat "documentada" o el reconeixement museístic de l'artista es reflecteix en el caràcter de l'interior de la sala. Les sales amb Van Gogh, Otto Dix i els Actionists tenen una exhibició clàssica: les pintures es pengen a les parets i s’il·luminen amb la llum del museu correcta. Les sales amb les obres dels "bojos" van resultar ser un camp per a l'activitat de la fantasia arquitectònica i exposicional: les obres estan suspeses en una línia de pesca al llarg d'una guia trencada o incrustades en marcs metàl·lics i col·locades al mig del vestíbul en diferents angles entre si. Així es conserva i emfatitza el seu caràcter específic. L’originalitat de les exposicions és coherent amb les especificitats de les obres i serveix com a línia fina que no només separa el gran art de la creativitat dels marginats, sinó que també dóna a aquest darrer una “exposició”, fins a cert punt un “museu”. personatge.
El treball dels arquitectes de Studio Milani té un paper gairebé principal en la percepció del material de l’exposició. És difícil parlar aquí d'una "plasmació directa de les idees del comissari", ja que l'estil d'aquesta oficina és clarament visible en l'arquitectura de l'interior de l'exposició. Però això és en el sentit complet de l'arquitectura, coherent amb el concepte de client, en les seves formes corresponents a la funció, explicant el seu contingut, dirigint el moviment del visitant i, per tant, interpretant la idea de l'estructura. (és a dir, l'espai d'exposició). Les estructures lleugeres, els materials (metall, plàstic, vidre, formes lacòniques) fan referència a l’estil de les exposicions italianes dels anys 30, dissenyades per arquitectes, partidaris de la versió italiana del moviment modern, racionalisme, amb dissenys minimalistes i talent excepcional. transmetre el concepte d’exposició per mitjans reduïts. Tanmateix, aquí el mòdul rectangular que va prevaler a la dècada de 1930 es substitueix per un triangle (forma dinàmica), la llum violeta (el color de la bogeria) s’afegeix als colors neutres de les vitrines i algunes parts de les grades són superfícies reflectants. El resultat és un espai dinàmic amb una trajectòria de moviment trencada, que es multiplica en reflexions de si mateix, responent no només al tema de l’exposició, sinó, a més, a l’esperit de la modernitat en general.
Tan prima com la línia entre el geni i el boig, entre el boig i l’artista, entre el producte d’una consciència malalta i l’art, pot resultar molt condicional entre el visitant de l’exposició i els autors de les obres que s’hi presenten, entre el món real i el món de les idees inventades i les imatges fantàstiques. Les reixes metàl·liques que s’utilitzen en el disseny, d’una banda, tenen l’estètica de l’arquitectura moderna de les estructures lleugeres; de l’altra, s’assemblen a les reixes dels hospitals psiquiàtrics. Les trajectòries trencades de les rutes de l’exposició no són només les línies dels espais del deconstructivisme, sinó també una metàfora de la psique trencada. Llum neutra combinada amb il·luminació violeta: no només la il·luminació d’interiors minimalistes, sinó també els passadissos de l’hospital. El disseny, que unia obres de diferent contingut i naturalesa, com si comparés els seus autors amb l’espectador: en els plans d’aparadors, entre les exposicions, el visitant veu periòdicament el seu reflex. A més, el recorregut pels quatre pisos de l’exposició, convertit en un laberint pels esforços dels arquitectes, és prou llarg no només per acostumar-se a l’espai museístic, sinó també per apropar-se als “herois” de l’exposició a la nostra estat emocional.
Es tracta de la participació de l’espectador en el món de l’art boig i en el món fantàstic de la bogeria, ja sigui una idea filosòfica de curadors d’art, o un experiment de psiquiatres o un rastre de Zeitgeist. Una arquitectura d’idees real i implementada no crea, les encarna, apareix en el moment adequat al lloc adequat. I la qüestió no és només que a Itàlia, des del 1978, els hospitals psiquiàtrics estatals han estat tancats, és a dir, la bogeria es considera un "tipus diferent", però no una malaltia, i no que sigui un petit, refinat, extremadament conservador en els seus fonaments. Siena va obrir les seves pròpies portes per a una exposició, on una part important de les exposicions difícilment es pot anomenar obres d'art en el sentit habitual. Aquesta exposició us fa mirar no només el món de l’art i veure-hi una part de la bogeria, sinó també el món dels bojos, i veure-hi els elements de la vida quotidiana i sentir així la subtilesa de la línia que separa aquests mons. També és un motiu de despreniment, despreniment, que serveix a l’art, que és una part integral de les desviacions mentals i que ajuda a veure les coses amb una nova llum. I per a això, el tancat, situat en un turó, separat de la resta del món per les planes toscanes de Siena, és el més adequat.
En examinar l’últim saló, l’estrès emocional creix fins al límit i fa que vulgueu sortir a l’aire lliure, i l’exposició condueix el visitant a una habitació lluminosa i envidrada amb vistes a les parets medievals de Siena. Només les lletres del nom de l’exposició adossades a la paret recorden el que va veure, cosa que provoca una reflexió lleugera sobre el que falta a l’exposició: pàgines de "Diari d’un boig" o "Malson" de Fuesli … Però el sol toscà i la pedra i el marbre del palau de Siena il·luminat pel contrari, suggereixen la "claredat del geni italià" tan valorat per Welflin.
Exposició Arte, Genio e Follia. Il giorno e la notte dell'artista té lloc al complex museístic Santa Maria dela Scala, Palazzo Squarchalupi FINS AL 21 DE JUNY DE 2009.
A cura de Vittorio Sgarbi
Direcció acadèmica: La Fundació Antonio Mazzotta
Disseny arquitectònic: Studio d'Architettura Andrea Milani
L’exposició reuneix més de 400 obres dels principals museus d’art d’Europa (Orsay, Centre de Georges Pompidou, Prado, Brera, etc.), col·leccions temàtiques (Museum Art Brut, Lausana, Col·lecció del psiquiatre Prinzhorn, Heidelberg) i museus de la història de la medicina (Museu d'història de la medicina Universitat de Roma "La Sapienza", Museu d'història de la medicina que porta el nom de René Descartes, París, etc.).
Sales temàtiques: Picture of Madness (des d’obres atribuïdes a Bosch fins als nostres dies), Genius and Madness in the time of Nietzsche (Van Gogh, Munch, Strindberg, Kirchner), General Madness: War through the Eyes of Artists (Renato Guttuso, Mario Mafai, Georg Gross, Otto Dix), The Art of the Mad: Dedication to Hans Prinzhorn (obres de la col·lecció del psiquiatre Hans Prinzhorn a Heidelberg), Art Brut (obres de la col·lecció Art Brut de Jean Bubuffet, Lausana), Alguns exemples italians entre normalitat i bogeria (obres de Carlo Zinelli, 1916-1974, Pietro Gidzardi, 1906-1986, Tarcisio Merati, 1934-1995), Viatges a la Toscana (viles i castells toscans on es trobaven hospitals psiquiàtrics són famosos per la seva pacients amb talent: Filippo Dobrilla, Evaristo Boncinelli, Venturino Ventruri, Belarges, etc. La pura bogeria de l'art del segle XX (des de l'obra surrealista fins a l'accionisme de Viena).
